L'arte russa contiene molte grandi opere scritte da maestri del pennello. Tutto ciò può essere pienamente attribuito alla personalità del pittore di icone russo, il cui nome è noto a tutti.
Molte opere meravigliose sono state create da Andrei Rublev, la sua biografia ne è una vivida conferma.
Molto poco si sa oggi della vita del santo canonizzato nel nostro tempo.
La sua nascita è solitamente associata al 1360 o, in alcune fonti, al 1370.
Inoltre, non è del tutto chiaro chi fossero i suoi genitori. Forse provenivano da una classe nobile, e forse erano semplici contadini. C'è una versione in cui il padre dell'artista russo proveniva da una classe di artigianato. Tale conclusione è fatta dal suo cognome, perché il rubello è uno degli strumenti di falegnameria. Anche se qui sono possibili altre versioni.
Molto probabilmente, Andrei è il nome monastico del pittore di icone. Il nome che gli è stato dato alla nascita è andato perso da secoli.
Le menzioni di questo monaco con il dono miracoloso di Dio risalgono al 1405 e al 1408. Sono associati ai quali si riflettevano nelle cronache.
Il monaco e pittore di icone Andrei Rublev è riuscito a fare molto nella sua vita. Sebbene la sua biografia sia scarsa di informazioni, ti consente di capire in che periodo visse questo artista russo.
E il periodo storico è stato difficile, anche se la Russia non ha mai avuto vita facile.
Si ritiene che Andrei Rublev sia nato nel principato di Mosca, che visse un periodo difficile nella seconda metà del XIV secolo. Mosca ha combattuto con Tver per il diritto a una testa frammentata Stato russo, che fu scossa da lotte intestine e incursioni dei conquistatori nomadi dell'Orda. Inoltre, fu durante questi anni che infuriò la peste a Mosca, che poi se ne andò, poi tornò di nuovo, portando con sé migliaia di vite umane.
La famosa battaglia di Kulikovo ebbe luogo nel 1380, che segnò l'inizio della liberazione delle terre russe dal dominio dei khan dell'Orda e dal dominio di Mosca tra le altre città russe.
Nello stesso periodo visse il grande Sergio, soprannominato dalla gente di Radonezh. In questo momento, anche il pittore di icone Andrei Rublev dipinse i suoi volti incredibili.
E, nonostante tutta la complessità, c'è stata anche una sorta di illuminazione visionaria in questo tempo, che ha dato speranza che la Rus' potesse rinascere e diventare una potenza forte e spiritualmente illuminata.
Alcuni secoli dopo, quando il nome di Rublev entrò nei libri russi, dissero che Andrei aveva studiato l'abilità di un pittore di icone fin dalla prima giovinezza sotto la guida di artisti esperti del monastero della Trinità-Sergio. Fu sotto il discepolo di San Sergio Nikon, anche soprannominato Radonezhsky.
Per molti versi, lo sviluppo del giovane è stato influenzato dall'impresa monastica e umana del primo abate di questo monastero. Indubbiamente, l'esempio di Sergio ispirò il giovane Andrey a creare immagini alte e spirituali.
Le icone di Rublev e, prima di tutto, la sua famosa "Trinità", rimasero conservate nella Lavra, dove furono scoperte centinaia di anni dopo dai critici d'arte, stupiti dall'abilità dell'antico artista.
Inoltre, il percorso della vita portò il monaco Andrei al monastero di Andronikov, fondato anche da un discepolo di San Sergio di nome Andronik. Il pittore di talento era venerato a quel tempo. Quindi, è noto che uno dei figli di Dmitry Donskoy, Vasily Dmitrievich, invitò Andrei Rublev a dipingere le camere del palazzo nel Cremlino stesso.
Il lavoro di Andrei Rublev iniziò gradualmente ad attirare l'attenzione dei suoi contemporanei. La cronaca del 1405 dice che fu questo monaco ad essere coinvolto nella pittura della Cattedrale dell'Annunciazione a Mosca, insieme al famoso artista dell'epoca Teofano, soprannominato il greco, e l'anziano Prokhor. Tuttavia, questi dipinti oggi non si sono conservate a causa della grandiosa ristrutturazione di questa cattedrale.
La stessa Cattedrale dell'Annunciazione non è stata conservata, ma per qualche miracolo i volti dipinti di icone di questo tempio sono sopravvissuti fino ai nostri giorni. In totale si tratta di sette icone attribuite al pennello dell'artista.
Le icone di Rublev sono "Natale", "Battesimo", "Ingresso a Gerusalemme", "Annunciazione", "Incontro", Resurrezione di Lazzaro e "Trasfigurazione".
Queste icone, alcune delle quali sono ancora conservate nei musei del paese, come la famosa Galleria Tretyakov, stupiscono gli spettatori non solo per la loro riuscita composizione e la speciale, per così dire, ariosità delle immagini raffigurate su di esse, ma anche per la speciale espressione che è scritta sui volti. Questa è una straordinaria purezza spirituale e una fede profonda.
Una tavolozza di colori ben scelta non fa che aumentare questa sensazione.
Un'altra pietra miliare biografia creativa Rublev, registrato in scrupolose fonti di cronaca, fu l'opera, insieme ad altri pittori dell'epoca, sui murales della Cattedrale di Vladimir dell'Assunzione. Era il 1408 circa.
Oltre alla pittura murale, i maestri hanno creato diversi volti dipinti di icone, alcuni dei quali sono ora nei musei. L'eredità russa è conservata non solo dal Museo Andrei Rublev, ma anche dalla Galleria Tretyakov.
Fu in questo momento, secondo i critici d'arte, che fu dipinta la famosa icona del maestro chiamata "Vladimir Madre di Dio".
Molto probabilmente, il monaco Andrei ha lavorato in questa cattedrale insieme ai suoi studenti. Oggi tutti possono vedere qui parte dei suoi affreschi, che sorprendono per la loro espressività e speciale spiritualità illuminata.
È noto che da qualche parte negli anni '20. Nel XV secolo, i monaci e Andrey Rublev (questi anni sono approssimativi) lavorarono ai murales del tempio, che fu costruito sul luogo di sepoltura dell'abate Sergio.
Il tempio era costruito in pietra (è sopravvissuto fino ad oggi). Tuttavia, gli affreschi di questa cattedrale non sono sopravvissuti fino ad oggi, ma ancora oggi puoi vedere le vere icone di Rublev, create per questa chiesa. Questi sono "Apostolo Paolo", "Arcangelo Michele" e "Battesimo". Per il modo di scrivere e il modo in cui sono raffigurate le figure, queste icone sono molto vicine allo stile della famosa Trinità. Il Museo Andrei Rublev custodisce questi tesori inestimabili.
A giudicare dalle fonti della cronaca, il compagno di Andrey Rublev, il monaco Daniel, soprannominato il Nero, morì nella Trinity Lavra. Qui fu sepolto. Padre Andrei si recò al Monastero di Andronikov per creare lì le sue ultime opere.
Secondo gli scienziati, l'ultima opera del maestro fu il dipinto della Chiesa del Salvatore, che completò intorno al 1428.
Andrei Rublev ha vissuto una lunga vita creativa, la biografia dell'artista ci racconta il giorno, l'ora e il luogo della sua morte.
Il famoso pittore di icone russo morì nel gennaio 1430 (molto probabilmente il 29 gennaio). Fu sepolto a Mosca, nel monastero di Andronikov (a proposito, fu proprio perché padre Andrei Rublev trovò qui la sua ultima dimora che questo antico monastero non fu distrutto negli anni sovietici).
Nel 1989, centinaia di anni dopo, padre Andrei fu canonizzato dalla Chiesa russa come santo.
Il nome dell'artista russo Antica Rus' sarebbe rimasto consegnato all'oblio, se non fosse stato per la sorprendente scoperta che fece Igor Grabar. Per caso, nella tranquilla cittadina di Zvenigorod vicino a Mosca, vicino a un'antica chiesa, scoprì icone straordinarie che, come si è scoperto in seguito, appartenevano al pennello di Andrei Rublev. E questo ritrovamento giaceva in un normale fienile!
Le icone erano chiamate "grado Zvenigorod" e solo dopo un po 'si è saputo che Andrei Rublev era il loro autore. Esaminiamo brevemente tutti questi lavori.
La più famosa è l'icona chiamata "Salvatore", che si è conservata solo in parte. Ma gli occhi di Cristo, rivolti alle persone che lo guardano, stupiscono il pubblico. È sicuro dire che dall'icona il volto del Dio-uomo ci sta guardando, privo di peccato e passioni e pieno di un sentimento di amore per tutti gli esseri viventi e di infinita compassione.
Tutti coloro che passano accanto a questa icona (ed è custodita nella Galleria Tretyakov) non possono che fermare lo sguardo su di essa. Nello stesso luogo, nella Galleria Tretyakov, è conservata anche l'originale "Trinity". Il destino di questa icona è molto interessante.
Andrei Rublev ha dato molto significato divino alla sua creazione. La biografia dell'artista non può rivelarci il segreto di come un semplice monaco russo possa raggiungere una tale altezza di comprensione spirituale del mondo di Dio. Forse Exupery aveva ragione: "Non puoi vedere la cosa più importante con i tuoi occhi".
Per molti secoli questa icona è rimasta appesa in una cornice pesante e ingombrante, nascosta a tutti da questi gioielli, e solo all'inizio del secolo scorso gli storici dell'arte hanno potuto aprirla, ripulirla dagli strati di molti secoli e capire che questo è un vero capolavoro.
Purezza, saggezza e spiritualità, incomprensibili per una persona moderna, risplendono in tutte le sue poche opere sopravvissute fino ai giorni nostri. I suoi angeli, Gesù, la Madre di Dio, guariscono le nostre anime, paralizzate dalle malattie del nostro tempo, ci fanno dimenticare almeno per un momento lo stato generale di inganno dell'umanità e tuffarci nel mondo della pace eterna, della bontà e dell'amore. Nell'opera di Rublev, i sogni del popolo russo sulla bellezza umana ideale sono stati espressi in modo più chiaro. L'era di Rublev è stata l'era della rinascita della fede nell'uomo, nella sua forza morale, nella sua capacità di sacrificarsi in nome di alti ideali cristiani.Il nome leggendario di Andrei Rublev, che lavorò nel XV secolo, è stato conservato nella memoria del popolo e le opere di epoche diverse sono state spesso associate a lui quando volevano sottolineare il loro eccezionale significato storico o artistico. Grazie ai restauri, al rilascio di monumenti dagli strati successivi, è stato possibile riconoscere la vera pittura del maestro. Parallelamente alle scoperte del restauro, sono state accumulate informazioni da fonti storiche, che hanno iniziato a essere utilizzate per ricerche sistematiche delle opere di Andrei Rublev. Così, la vera scoperta della pittura di Rublev avvenne nel ventesimo secolo.
Non si sa esattamente quando nacque Andrei Rublev, a quale classe appartenesse, chi fosse il suo insegnante di pittura. La maggior parte dei ricercatori considera condizionatamente il 1360 come data di nascita dell'artista. Le prime informazioni sull'artista provengono dalla Cronaca della Trinità di Mosca. Tra gli eventi del 1405 si riporta che “la stessa primavera, il più delle volte, la chiesa di pietra firmò la santa annunciazione al principe della grande corte, e ai maestri byahu Teofane l'iconico greco, e Prokhor il vecchio di Gorodets e il nero Andrei Rublev. La menzione del nome del maestro per ultimo, secondo la tradizione allora, significava che fosse il più giovane dell'artel. Ma allo stesso tempo, la partecipazione all'ordine onorario di decorare la chiesa domestica di Vasily Dmitrievich, il figlio maggiore di Dmitry Donskoy, insieme a Theophan il greco, allora famoso in Rus', caratterizza Andrei Rublev come un maestro già abbastanza riconosciuto e autorevole .
Il seguente messaggio della Cronaca della Trinità si riferisce all'anno 1408: il 25 maggio “cominciarono a firmare la grande chiesa in pietra della Santa Madre di Dio a Vladimir per ordine del Gran Principe e dei maestri Danilo l'Iconista e Andrei Rublev. " Daniil qui citato è "l'amico" di Andrei, meglio conosciuto con il nome di Daniil Cherny, compagno di opere successive. La Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir, menzionata negli annali, il più antico monumento dell'era premongola, eretta nella seconda metà del XII secolo sotto i principi Andrei Bogolyubsky e Vsevolod il Grande Nido, era la cattedrale del metropolita. Il tempio, devastato e bruciato dai conquistatori dell'Orda, doveva essere restaurato. Il principe di Mosca Vasily Dmitrievich, un rappresentante del ramo dei principi Vladimir, discendenti dei Monomakh, intraprese il rinnovamento della Cattedrale dell'Assunzione all'inizio del XV secolo come una sorta di atto naturale e necessario associato alla rinascita dopo la vittoria sul campo di Kulikovo dello spirituale e tradizione culturale Rus' nell'era dell'indipendenza nazionale.
Dalle opere di Andrei Rublev e Daniil Cherny nella Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir, le icone dell'iconostasi sono sopravvissute fino ad oggi, formando un unico insieme con affreschi, parzialmente conservati sulle pareti del tempio.
Nel 1768-1775, l'iconostasi fatiscente del 1408, a causa dell'incoerenza con i gusti dell'epoca di Caterina, fu portata fuori dalla cattedrale e venduta al villaggio di Vasilyevskoye vicino a Shuya (ora regione di Ivanovo). Le informazioni sul destino successivo dell'iconostasi spinsero le Officine di restauro dello Stato centrale a organizzare una spedizione speciale, che nel 1919-1922 rimosse i monumenti conservati. Dopo il restauro, queste icone sono entrate nelle collezioni della Galleria Statale Tretyakov e del Museo Statale Russo. L'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione includeva icone della deesis, filari festosi e profetici. A seconda delle dimensioni della cattedrale, la sua iconostasi è una delle più grandi che ci siano pervenute. Pertanto, le icone Deesis (undici delle quali nella collezione della galleria) hanno un'altezza di 3,14 m che apparteneva ad Andrey Rublev.
Il Vladimir Deesis è un insieme stilisticamente integrale di un unico ritmo epico solenne, perfettamente correlato alla scala dell'interno e alla struttura compositiva delle immagini dell'affresco. La soluzione coloristica della deesis è armonicamente chiara. I colori calmi, semplici e puri sono in perfetto accordo con l'intonazione generale sublimemente illuminata. L'idea ideologica della composizione della deesis (in greco "deesis" significa "preghiera") è collegata al tema del Giudizio Universale e riflette l'idea dell'intercessione e della preghiera dei santi per il genere umano davanti al Salvatore. Il programma del "Giudizio Universale" negli affreschi della Cattedrale dell'Assunzione si risolve con apposita penetrazione. Il vasto spazio del tempio è pieno di immagini di sublime bellezza e nobiltà. Nell'icona deesis, che correla con le immagini dell'insieme di affreschi, le caratteristiche individuali del Salvatore e dei santi presentati in preghiera davanti a lui sono, per così dire, rafforzate e acuite.
L'icona centrale della deesis "Il Salvatore in Potenza" raffigura Gesù Cristo con il testo rivelato del Vangelo, seduto su un trono. Il rombo rosso che incornicia Cristo, l'ovale verde-bluastro e il quadrilatero rosso simboleggiano la sua gloria e "poteri", celesti (nell'ovale) e terreni (simboli dei quattro evangelisti agli angoli del rombo). L'icona del Salvatore, come la maggior parte delle icone dell'iconostasi, è stata più volte aggiornata, dipinta e rafforzata. L'apertura di restauro del monumento ha messo in luce la superficie dell'autore con zone di inserto sul nuovo terreno e una profonda usura del dipinto originale con la perdita di delicati strati superiori trasparenti (smalti). Ma grazie alla solidità tecnologica del monumento, alla pittura multistrato del viso, splendidamente riempita di fusione, lo spettatore moderno, anche in questo stato dell'icona, è in grado di comprendere la profondità e la sublime nobiltà dell'immagine, apprezzare i toni puri e morbidi dell'icona, il suo ritmo solenne, classicamente chiaro. La maestosità dell'apparizione del Salvatore, unita alla morbidezza spirituale, permettono di vedere qui l'ideale nazionale russo, fondamentalmente diverso da quello greco, la cui presenza è così evidente nei monumenti dell'era pre-rublo. Nel volto espressivo del Salvatore, lo spettatore può facilmente notare le caratteristiche etniche slave. La sua immagine incarnava idee popolari sulla giustizia, calpestate vita reale. I santi che pregano davanti al Salvatore, rappresentato su altre icone, sono pieni di fede disinteressata in un processo equo. Per ogni personaggio sono state trovate caratteristiche soulful sorprendentemente accurate, che allo stesso tempo non violano l'unità intonazionale dell'intero insieme. La capacità di unire grandi gruppi a più figure con un unico suono emotivo è una delle caratteristiche del dono compositivo di Andrey Rublev. Nell'immagine della Madre di Dio viene sottolineata una silhouette capiente, monumentale, fluente, interrotta da un gesto accentuato di mani tese in preghiera. L'intera immagine è imbevuta di una preghiera mite e triste, di intercessione "per il genere umano". Nell'immagine di Giovanni Battista l'attenzione è focalizzata sul tema del maestoso dolore, il “lamento spirituale”, secondo un'antica espressione. Giovanni chiede il pentimento, che è affermato in una grande iscrizione in uno statuto su un rotolo aperto che teneva in mano. Giovanni il Teologo e Andrea il Primo Chiamato, Gregorio Magno e Giovanni Crisostomo si rivolgono al Salvatore con epiche concentrazione e fiducia. A immagine di Gregorio Magno, saggio per l'esperienza di una lunga vita, la maestà si combinava con la mite calma, la premura. In più strati, in un tono caldo, il volto è scritto in modo fluido, attraversato dall'elegante grafica dell'immagine in alto. Le strisce scarlatte del rivestimento del sakkos, l'omophorion verde pallido con le tinte più fini, il bordo verde del Vangelo, il cui coperchio è finemente ornato, sono contrassegnate da una bellezza speciale di un tono puro e squisitamente composto.
Il vero ornamento della colorazione della serie deesis sono tratti di cinabro rosso disposti in determinati luoghi e con un certo calcolo, diversi per area e configurazione. Sono le cornici geometriche della figura del Salvatore in trono al centro, gli ampi mantelli degli arcangeli e le strette inclusioni espressive sulle icone dei Santi Gregorio Teologo e Giovanni Crisostomo.
La presenza nella composizione deesis tra i santi oranti di due figure degli arcangeli, Michele e Gabriele, risale ad una lunga tradizione di raffigurare “poteri celesti” adorandolo ai lati dell'immagine centrale di Gesù Cristo (il Salvatore ). Nel dipinto di Andrei Rublev, le immagini degli angeli hanno un'importanza speciale. Nell'insieme di affreschi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir, numerosi volti di angeli presentano un'eccezionale bellezza e varietà di uno spettacolo che attira una persona nel mondo di sentimenti e stati d'animo sublimi. Gli angeli sulle icone della deesis completano organicamente le immagini degli angeli che trombano in cielo e terra, torcendo la volta del cielo, in piedi dietro gli apostoli nel Giudizio Universale, adorando la Madre di Dio, sedendo solennemente sul trono.
La fila festosa situata sopra la deesis, che illustra gli eventi evangelici, non è stata completamente conservata. In totale, ci sono pervenute cinque icone: "Annunciazione", "Discesa agli Inferi", "Ascensione" (nella collezione della Galleria Statale Tretyakov), "Presentazione" e "Natività" (nella collezione dello Stato russo Museo). La maggior parte dei ricercatori tende a considerare questi monumenti come le opere del laboratorio di Andrei Rublev e Daniil Cherny. Tre icone festive della collezione della galleria sono state realizzate da diversi maestri, ma sono accomunate dall'unità di scala, dai principi compositivi-ritmici e coloristici e dall'impeccabilità del disegno. Secondo l'antica tradizione, i maggiori maestri erano gli autori di un disegno o di un disegno grafico, venivano chiamati alfieri. Probabilmente tali denominatori delle "vacanze" di Vladimir erano gli "amici" Andrey Rublev e Daniil Cherny. Molto è stato stabilito nel disegno preliminare, in modo che il successivo lavoro con i colori, non importa quanto individuale fosse, conservasse le proprietà principali dell'immagine, destinate dal maestro principale. Ecco perché le "vacanze" di Vladimir non cadono da un unico insieme dell'iconostasi. Forse immagini o dettagli responsabili sono stati dipinti dai principali maestri. L'icona "Ascension" si distingue per la sua esecuzione più perfetta e molti ricercatori la attribuiscono allo stesso Andrei Rublev. L'immagine di Cristo che ascende nel mondo celeste nel cerchio della gloria, accompagnato da angeli svettanti con grazia, dispiegati su uno spazio relativamente piccolo della superficie dell'icona, cattura la grandezza del momento. Le figure di due angeli in piedi tra gli apostoli in vesti bianche, come trafitti dalla luce, indicano con le mani alzate l'evidenza del miracolo in atto. Sulle cime del paesaggio montuoso, che fa da sfondo a ciò che sta accadendo, sono stati conservati frammenti di alberi dalle chiome lussureggianti, come illuminati da una luce mistica e da luccicanti riflessi blu-bianco-rossi su frutti o fiori. L'immagine di questi alberi è correlata all'idea di un "albero vivificante", uno degli antichi simboli di Cristo e della Resurrezione. La natura, rispondendo a un evento presentato come evento cosmico, viene rappresentata dall'artista con la comprensione delle più antiche identificazioni simboliche, radicate nella profonda antichità precristiana.
Sullo sfondo degli abiti luminosi degli angeli, al centro del gruppo spicca la figura della Madre di Dio. I gesti delle mani sottolineano la sua condizione: mano sinistra con il palmo aperto, quasi a contatto con l'energia divina che riempie lo spazio, la mano destra nel gesto di conversazione è rivolta verso l'apostolo Pietro, che con calma tese la mano in una posizione simile. Ai lati della Madre di Dio, gli apostoli, pieni di gioia sublime, contemplano il miracolo dell'Ascensione. Da notare la somiglianza tipologica dei volti dell'icona con immagini simili in affreschi e deesis. Nell'ensemble del 1408, la maggior parte dei personaggi acquisì quei tratti caratteristici, secondo i quali, in futuro, determineranno il tipo Rublev.
L'icona "Ascension", come nessun'altra delle icone delle vacanze a più figure, ha una speciale organizzazione ritmica della composizione. Qui si è manifestato il caratteristico senso di armonia di Andrei Rublev, l'equilibrio plastico. Il colore dell'icona è diverso a causa della sfumatura di ogni tono. I suggestivi piani dei toni principali sono ravvivati dalla ricchezza del pattern di modellazione superiore e degli smalti.
Il prossimo lavoro di Andrey Rublev è il cosiddetto "grado Zvenigorod", uno dei più bei gruppi di icone della pittura di Rublev. Il grado è composto da tre icone di cintura: il Salvatore, l'Arcangelo Michele e l'apostolo Paolo. Provengono da Zvenigorod vicino a Mosca, in passato centro di uno specifico principato. Probabilmente un tempo tre icone di grandi dimensioni facevano parte di una deesis a sette cifre. Secondo la tradizione stabilita, la Madre di Dio e Giovanni Battista si trovavano ai lati del Salvatore, a destra l'icona dell'Arcangelo Michele corrispondeva all'icona dell'Arcangelo Gabriele e accoppiata con l'icona dell'Apostolo Paolo, l'icona dell'apostolo Pietro avrebbe dovuto essere a sinistra. Le icone sopravvissute furono scoperte dal restauratore G.O. Chirikov nel 1918 in una legnaia vicino alla Cattedrale dell'Assunzione a Gorodok durante un esame da parte della spedizione dei laboratori di restauro statale centrale di questo antico tempio principesco di Yuri Zvenigorodsky, il secondo figlio di Dmitry Donskoy. Poiché la natura della posizione delle icone sulla barriera dell'altare non è del tutto chiara, il grado potrebbe essere incluso nell'iconostasi sia della Cattedrale dell'Assunzione principesca che della vicina Cattedrale della Natività del Monastero di Savvino-Storozhevsky, il cui patrono era il principe Zvenigorod .
Per quanto riguarda questo gruppo di monumenti, la paternità di Andrei Rublev, purtroppo, non è verificata da nessuna delle fonti scritte pervenute fino a noi, la pittura contemporanea. Dopo il restauro del livello, I.E. Grabar, che per primo lo pubblicò, sulla base dei dati dell'analisi stilistica, attribuì le icone come opere di Andrei Rublev. Questa attribuzione, non contestata da nessuno dei ricercatori dell'opera dell'artista, è confermata al tempo stesso da fatti storici. Il presunto cliente del grado, Yuri Zvenigorodsky, è noto per i suoi legami con il Monastero della Trinità-Sergio; era il figlioccio di San Sergio di Radonezh e eresse una cattedrale della Trinità in pietra sulla sua bara (1422). È naturale presumere che Andrei Rublev, che lavorava nel monastero della Trinità, potesse adempiere all'ordine di un importante investitore, che era anche il figlioccio del fondatore del monastero.
Informazioni successive sono state conservate associate al grado Zvenigorod. Secondo l'inventario del 1697-1698, sette icone della deesis furono appese alle pareti della Cattedrale dell'Assunzione a Gorodok. È difficile dire perché la deesis a quel tempo non fosse situata sulla barriera dell'altare. Forse le icone sono state trasferite dal monastero Savvino-Storozhevsky, forse sono state trasferite dalla barriera dell'altare della Cattedrale dell'Assunzione.
Il grado "Zvenigorod" combinava alti pregi pittorici con una profondità di contenuto figurativo. Le morbide intonazioni soul, la luce "tranquilla" del suo colore riecheggiano sorprendentemente l'atmosfera poetica del paesaggio dei dintorni di Zvenigorod, i luoghi più belli vicino a Mosca, personificando per noi l'immagine della Patria. Nel grado Zvenigorod, Andrei Rublev appare come un maestro affermato che ha raggiunto le vette del sentiero, una fase importante della quale è stata la pittura nel 1408 nella Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. Utilizzando le possibilità di un'immagine a mezzo busto, come se avvicinasse allo spettatore i volti ingranditi, l'artista conta su una contemplazione a lungo termine, un'osservazione attenta e un'intervista.
L'icona centrale della deesis "Salvatore" è segnata da un significato speciale, dall'infinita, inesauribile profondità del suo contenuto. Con quest'opera matura, Rublev afferma il tipo iconografico di Cristo, fondamentalmente diverso da quello bizantino, la cui versione precedente era di immagini simili nell'insieme del 1408 (l'affresco del Salvatore Giudice del Giudizio Universale e l'iconico Salvatore nei poteri discussi sopra). Le "Terme" di Zvenigorod sembrano perdere una certa astrazione delle immagini della divinità e appaiono umanizzate, ispirando fiducia e speranza, portando un buon inizio. Il maestro conferisce a Cristo tratti russi e esteriormente, e li fa sentire nel magazzino interiore, in una tonalità speciale dello stato: chiarezza, benevolenza, partecipazione attiva. Nonostante il volto e metà della figura conservati in modo frammentario, l'impressione dell'immagine è così completa e completa da suggerire l'importanza fondamentale e accresciuta nell'arte di Andrei Rublev dell'espressività del viso e degli occhi. In questo, il maestro segue i precetti dell'arte pre-mongola, che ha lasciato ottimi esempi dell'espressività psicologica dei volti: "Nostra Signora di Vladimir", "Annunciazione di Ustyug", Novgorod "Salvatore non fatto da mani", "Angelo con l'oro Capelli”, “Salvatore dai capelli d'oro”. Dando al Salvatore un aspetto slavo, il maestro dipinge il viso con toni chiari eccezionalmente morbidi.
L'espressività dei volti bizantini dell'epoca si otteneva contrastando il tono della fodera marrone-verde (in greco "sankir") con uno strato leggero e fortemente sbiancato di successiva modellazione (ocra). Nelle facce bizantine, i tratti sbiancanti - "motori" posti sopra gli strati di modellazione, erano nettamente distinti, a volte a forma di ventaglio, a volte in coppia o combinati in gruppi. Anche le macchie di cinabro suonano in modo contrastante e artisticamente accattivante nei volti greci: sulle labbra, come un "rossore", lungo la forma del naso, lungo il contorno delle orbite e nell'angolo interno degli occhi (lacrima). Così sono scritti i volti della deesis di Feofanovsky dalla Cattedrale dell'Annunciazione al Cremlino, compreso il volto dell'icona del Salvatore.
La pittura del viso di Rublyovskaya è diversa. Il pittore di icone russo preferisce uno stile chiaroscurale morbido, il cosiddetto melt, cioè dolcemente, "fluido", come dicevano i pittori di icone, e i toni posati in più strati, tenendo conto della traslucenza del rivestimento più luminoso attraverso il quelli superiori trasparenti e leggeri. I punti più sporgenti sono stati ricoperti più volte con luce modellante ocra, in modo che queste aree di scrittura multistrato diano l'impressione di che emette luce, luminoso. Per movimentare la pittura del volto, in alcuni punti è stato posato un sottile strato di cinabro tra gli strati finali di ocra (chiamato dai pittori di icone “in a rouge”). I lineamenti del viso erano delineati in un motivo marrone superiore sicuro e calligraficamente chiaro. La modellazione della forma è stata completata con "motori" sbiancanti molto delicatamente posizionati. Non erano dipinti così attivamente sui volti del cerchio di Rublev e non erano così numerosi come quelli di Teofane e dei maestri greci. Sottili, aggraziati, leggermente curvilinei, non si opponevano al tono su cui erano posati, ma fungevano da completamento organico della leggera modanatura della forma, entrando a far parte di questa liscia messa in risalto, come se fosse il suo culmine.
Per quanto riguarda l'immagine dell'Arcangelo Michele, va notato la sua vicinanza al cerchio di immagini angeliche nell'affresco murale della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. L'eleganza e la flessibilità del contorno, la proporzionalità del movimento e del riposo, lo stato pensieroso e contemplativo sottilmente trasmesso: tutto ciò rende l'immagine particolarmente legata agli angeli alle pendici della grande volta della cattedrale. Tra gli affreschi c'è un angelo, che può essere considerato precedente a quello di Zvenigorod. Si trova sul versante meridionale della grande volta, in seconda fila, dove si erge sopra l'apostolo Simone seduto. Ma l'angelo affresco si percepisce nella cerchia dei suoi numerosi fratelli, l'intero affresco angelico ostia o cattedrale. Le sue caratteristiche figurative sono, per così dire, dissolte nell'ambiente di quelli come lui. L'Arcangelo Michele di Zvenigorod è un'icona della deesis. Come, probabilmente, l'icona ormai perduta dell'Arcangelo Gabriele, che ad essa è abbinata, incarnava la quintessenza del "tema angelico", poiché attraverso queste due immagini nella deesis le "potenze celesti" che vengono a Cristo sono percepito, pregando per il genere umano.
L'arcangelo Zvenigorod è nato nell'immaginazione dell'artista dei pensieri più alti e ha incarnato il sogno di armonia e perfezione che vive nella sua anima nonostante tutte le difficoltà e le circostanze tragiche di quella vita. Nell'immagine dell'arcangelo, echi lontani di immagini e idee elleniche sulla sublime bellezza degli abitanti celesti, correlati a un ideale puramente russo, segnato da sincerità, premura e contemplazione, sembrano essersi fusi.
La pittoresca soluzione dell'icona si distingue per la sua eccezionale bellezza. I toni rosati prevalenti nella fusione personale sono leggermente esaltati da una spruzzata rosa lungo la linea del naso. gentile, un po' labbra carnose, scritte in un rosa più intenso, sembrano concentrare questo tono principale. I capelli biondo dorato in morbidi riccioli che incorniciano il viso conferiscono alla gamma un tono più caldo, coerente con l'assist dorato delle ali d'angelo, scritte in ocra brillante, e con l'oro dello sfondo. La benda turchese-blu dei capelli, come se fosse penetrata dalla luce, è intessuta in questa scaglia d'oro come una macchia di smalto nobile. Ha un'eco tonale del blu, una tonalità più tenue nelle paportke (ali) e in piccole sezioni di una tunica con un mantello a motivi dorati. Ma il prevalere nella dolichny (termine iconografico, che significa tutta la pittura, eccetto il volto, cioè dipinto prima del volto) è di nuovo rosa. Questo è il tono di un himation angelico drappeggiato sulle spalle e drappeggiato in pieghe squisite. Riempiendo la maggior parte della superficie pittorica, il tono rosa è sapientemente modellato con pieghe sbiancate accentuate da un motivo sopraelevato di tono rosa corallo ispessito. La soluzione coloristica di questa icona, che combina i toni del giallo dorato, del rosa e del blu, nobilitata con l'oro dello sfondo, l'ornamento e l'ombreggiatura assistita delle ali d'angelo, come se corrispondesse idealmente all'immagine dell'arcangelo, il celeste celeste.
Il terzo personaggio del grado, l'apostolo Paolo, appare nell'interpretazione del maestro come completamente diverso da quello che era solitamente raffigurato nella cerchia dell'arte bizantina di quel tempo. Invece dell'energia e della risolutezza dell'immagine bizantina, il maestro ha rivelato i tratti della profondità filosofica, della contemplazione epica. Gli abiti dell'apostolo, con il loro colore, il ritmo delle pieghe, la sottigliezza delle transizioni tonali, accrescono l'impressione di sublime bellezza, pace, armonia illuminata e chiarezza.
La Galleria Tretyakov custodisce anche l'opera più famosa di Andrei Rublev, la famosa Trinità. Creata nel pieno dei suoi poteri creativi, l'icona è l'apice dell'arte dell'artista. Al tempo di Andrei Rublev, il tema della Trinità, incarnando l'idea di una divinità trina (Padre, Figlio e Spirito Santo), era percepito come un simbolo del riflesso dell'esistenza universale, la verità più alta, un simbolo di unità spirituale, pace, armonia, amore e umiltà reciproci, disponibilità a sacrificarsi per il bene comune. Sergio di Radonezh fondò un monastero vicino a Mosca con il tempio principale nel nome della Trinità, credendo fermamente che "guardare la Santissima Trinità ha vinto la paura dell'odiato conflitto di questo mondo".
Il monaco Sergio di Radonezh, sotto l'influenza delle cui idee si formò la visione del mondo di Andrei Rublev, era un santo asceta e una personalità eccezionale nella storia dell'umanità. Si alzò per superare i conflitti intestina, partecipò attivamente alla vita politica di Mosca, contribuì alla sua ascesa, riconciliò i principi in guerra e contribuì all'unificazione delle terre russe intorno a Mosca. Un merito speciale di Sergio di Radonezh è stata la sua partecipazione alla preparazione della battaglia di Kulikovo, quando ha aiutato Dmitry Donskoy con i suoi consigli e la sua esperienza spirituale, ha rafforzato la sua fiducia nella correttezza del percorso scelto e, infine, ha benedetto l'esercito russo prima di la battaglia di Kulikovo. La personalità di Sergio di Radonezh aveva un'autorità speciale per i suoi contemporanei, una generazione di persone dell'era della battaglia di Kulikovo fu allevata dalle sue idee e Andrei Rublev, come erede spirituale di queste idee, le incarnò nel suo lavoro.
Negli anni venti del XV secolo, un artel di artigiani, guidato da Andrei Rublev e Daniil Cherny, decorò la Cattedrale della Trinità nel monastero di San Sergio, eretto sopra la sua bara, con icone e affreschi. L'iconostasi includeva, come immagine del tempio molto venerata, l'icona della Trinità, tradizionalmente collocata nella fila inferiore (locale) sul lato destro delle Porte Reali. Ci sono prove da una delle fonti del XVII secolo che l'abate del monastero Nikon incaricò Andrei Rublev di "scrivere l'immagine della Santissima Trinità in lode di suo padre, San Sergio".
La trama della "Trinità" si basa sulla storia biblica dell'apparizione di una divinità al giusto Abramo sotto forma di tre bellissimi giovani angeli. Abramo e sua moglie Sara trattarono gli stranieri all'ombra della quercia di Mamre, e ad Abramo fu fatto capire che la divinità in tre persone era incarnata negli angeli. Fin dall'antichità esistono diverse versioni dell'immagine della Trinità, talvolta con dettagli della festa ed episodi della macellazione del vitello e della cottura del pane (nella collezione della galleria si tratta di icone della Trinità del XIV secolo da Rostov Velikij e il XV secolo da Pskov).
Nell'icona di Rublev, l'attenzione è focalizzata su tre angeli e sulla loro condizione. Sono raffigurati seduti attorno al trono, al centro del quale è posto il calice eucaristico con testa di vitello sacrificale, simbolo dell'agnello del Nuovo Testamento, cioè Cristo. Il significato di questa immagine è l'amore sacrificale. L'angelo sinistro, che significa Dio Padre, benedice il calice con la mano destra. L'angelo di mezzo (Figlio), raffigurato nelle vesti evangeliche di Gesù Cristo, abbassato sul trono con la mano destra con un sigillo simbolico, esprime obbedienza alla volontà di Dio Padre e disponibilità a sacrificarsi in nome dell'amore per le persone . Il gesto dell'angelo destro (Spirito Santo) completa il simbolico colloquio tra il Padre e il Figlio, affermando l'alto significato dell'amore sacrificale, e consola i condannati al sacrificio. Così, l'immagine della Trinità dell'Antico Testamento (cioè con i dettagli della trama dell'Antico Testamento) si trasforma in un'immagine dell'Eucaristia (Buon Sacrificio), riproducendo simbolicamente il significato del Vangelo dell'Ultima Cena e del sacramento su di essa stabilito (comunione con pane e vino come corpo e sangue di Cristo). I ricercatori sottolineano il significato cosmologico simbolico del cerchio compositivo, in cui l'immagine si inserisce in modo succinto e naturale. Nel cerchio vedono un riflesso dell'idea dell'Universo, del mondo, dell'unità, che abbraccia la molteplicità, il cosmo. Quando si comprende il contenuto della Trinità, è importante comprenderne la versatilità. Il simbolismo e l'ambiguità delle immagini della "Trinità" risalgono a tempi antichissimi. Per la maggior parte delle persone, concetti (e immagini) come un albero, una ciotola, un pasto, una casa (tempio), una montagna, un cerchio, avevano un significato simbolico. La profondità della consapevolezza di Andrey Rublev delle antiche immagini simboliche e delle loro interpretazioni, la capacità di coniugare il loro significato con il contenuto del dogma cristiano suggeriscono un alto livello di educazione, caratteristico della società allora illuminata e, in particolare, del probabile ambiente dell'artista.
Il simbolismo della "Trinità" è correlato alle sue proprietà pittoriche e stilistiche. Tra loro essenziale ha colore. Poiché la divinità contemplata era un'immagine del mondo montano celeste, l'artista, con l'aiuto dei colori, ha cercato di trasmettere la sublime bellezza "celeste" che è stata rivelata allo sguardo terrestre. La pittura di Andrei Rublev, in particolare del grado Zvenigorod, si distingue per una speciale purezza del colore, la nobiltà delle transizioni tonali, la capacità di conferire al colore una luminosità di radiosità. La luce è emessa non solo da sfondi dorati, tagli ornamentali e assist, ma anche dal dolce sciogliersi di visi luminosi, sfumature pure di ocra, toni pacificamente azzurri, rosa e verdi delle vesti degli angeli. Il simbolismo del colore nell'icona è particolarmente evidente nel suono principale del blu-blu, chiamato involtini di cavolo di Rublev. Comprendendo la bellezza e la profondità dei contenuti, correlando il significato della "Trinità" con le idee di Sergio di Radonezh sulla contemplazione, il miglioramento morale, la pace, l'armonia, sembriamo entrare in contatto con il mondo interiore di Andrei Rublev, i suoi pensieri, incarnato in questo lavoro.
L'icona si trovava nella Cattedrale della Trinità del Monastero della Trinità, che in seguito divenne una Lavra, fino agli anni venti del nostro secolo. Durante questo periodo, l'icona ha subito una serie di ristrutturazioni e quaderni. Nel 1904-1905, su iniziativa di IS Ostroukhov, membro della Società archeologica di Mosca, noto artista, collezionista di icone e fiduciario della Galleria Tretyakov, fu intrapresa la prima bonifica completa della Trinità dai documenti successivi. Il lavoro è stato supervisionato dal famoso pittore e restauratore di icone V.P. Guryanov. Le note principali furono rimosse, ma le iscrizioni furono lasciate sugli inserti del gesso nuovo e, secondo le modalità del restauro dell'epoca, furono apportate aggiunte nei luoghi di smarrimento che non distorcessero la pittura dell'autore.
Nel 1918-1919 e nel 1926 i migliori maestri delle Officine di Restauro dello Stato Centrale effettuarono la pulitura finale del monumento. Nel 1929 la Trinità, capolavoro inestimabile dell'antica pittura russa, fu trasferita alla Galleria Tretyakov. C'è ancora, per così dire, una seconda cerchia di monumenti creati nelle tradizioni della pittura di Andrei Rublev, probabilmente dai suoi studenti e seguaci.
All'iconostasi della Trinità, per la quale Andrey Rublev scrisse la "Trinità", si erge sopra il baldacchino del cancello con l'immagine dell'Eucaristia. Lo schema compositivo e iconografico del vestibolo riprende fedelmente la soluzione delle due icone dell'iconostasi della Trinità ("Comunione con il pane" e "Comunione con il vino"), ed è possibile che sia stata scritta appositamente per le Porte Reali della Trinità Cattedrale. Il monumento ha origine dalla Chiesa dell'Annunciazione situata vicino al Monastero della Trinità (Lavra) nel villaggio dell'Annunciazione, o Knyazhy, antico patrimonio dell'estinta famiglia dei principi Radonezh. Il villaggio fu donato come contributo al monastero dal principe Andrei Vladimirovich di Radonezh. Lo stato riflessivo e contemplativo sottilmente trasmesso dei personaggi nell'Eucaristia è vicino al carattere e allo spirito delle opere di Rublev.
I monumenti di Rublyov conservati nella Galleria Tretyakov furono creati al momento della massima fioritura dell'arte di Mosca nel XV secolo. Avendo aderito nel XIV secolo per condizioni storiche all'arte bizantina (Costantinopoli) del cosiddetto stile Paleologo (cioè il periodo del regno della dinastia Paleologo a Bisanzio), uno stile che ebbe un impatto sulla cultura della maggior parte dei paesi del mondo cristiano orientale, i maestri di Mosca, dopo aver padroneggiato i suoi singoli elementi e tecniche, riuscirono a superare l'eredità bizantina. Rifiutando l'ascesi e la severità delle immagini bizantine, la loro astrattezza, Andrei Rublev, tuttavia, intuì la loro antica base ellenica e la tradusse nella sua arte. Andrei Rublev è riuscito a riempire le immagini tradizionali di nuovi contenuti, correlandoli con le idee principali dell'epoca: l'unificazione delle terre russe in un unico stato e la pace e l'armonia universali.
L'accademico D.S. Likhachev ha osservato che "gli ideali nazionali del popolo russo sono espressi in modo più completo nelle opere dei loro due geni: Andrei Rublev e Alexander Pushkin. È stato nel loro lavoro che i sogni del popolo russo sulla persona migliore, sulla bellezza umana ideale, hanno influenzato in modo più evidente. L'era di Rublev fu l'era della rinascita della fede nell'uomo, nella sua forza morale, nella sua capacità di sacrificarsi in nome di alti ideali.
Intorno al 1360 - Nasce Andrei Rublev, probabilmente nella Russia centrale. Secondo altre fonti, nacque nel 1365.
Fine anni 1390 - Creazione di miniature per il libro "Il Vangelo di Khitrovo".
Fino al 1405 - Assunse il monachesimo con il nome di Andrei nel Monastero della Trinità-Sergio. Secondo altre fonti - nel monastero di Andronikov.
1405 - Collabora con Teofano il Greco e Prokhor, "l'anziano di Gorodets", alla decorazione con icone e affreschi della Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca, la chiesa natale dei principi di Mosca. "Trasformazione".
1408 - Insieme a Daniil Cherny, lavora alla pittura e all'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir. "La Madre di Dio", "Giovanni il Teologo", "L'apostolo Andrea", "Il Salvatore è nella forza".
Tra il 1408-1422 - Creazione del grado Belt Zvenigorod. "Salvatore", "Arcangelo Michele", "Apostolo Paolo".
Intorno al 1411 (secondo altre fonti 1427) - Icona "Trinità".
Tra il 1422-1427 - Insieme a Daniil Cherny, supervisionò la pittura e la creazione dell'iconostasi della Cattedrale della Trinità del Monastero della Trinità-Sergio. L'immagine del tempio della Trinità è scritta.
Tutta la successiva pittura russa antica ha sperimentato e continua a sperimentare l'enorme impatto del lavoro di Rublev. Nel 1551, nella cattedrale di Stoglavy, l'iconografia di Rublev fu proclamata il modello perfetto.
La seconda nascita di Rublev avvenne già nel XX secolo, quando furono effettuati numerosi restauri delle sue opere, studi sulla vita del maestro e chiarimenti della sua biografia. A poco a poco, il nome di Rublev diventa una leggenda, una specie di simbolo della perduta Santa Rus' e di tutta l'antica arte russa. L'espressione più brillante di questa leggenda fu il film di Andrei Tarkovsky "Andrei Rublev", girato nel 1971, che enfatizzava espressamente lo straordinario contrasto di un'era storica estremamente crudele e le immagini pacificamente armoniose del reverendo pittore.
Andrei Rublev è venerato come uno dei grandi santi russi.
In ogni cultura nazionale ci sono ideali a cui tende, e c'è una realizzazione di questi ideali, che non è sempre perfetta, e talvolta, quando i compiti fissati dagli ideali sono molto difficili e completamente imperfetti. Ma dovremmo sempre giudicare la cultura nazionale, prima di tutto, dai suoi ideali. Questo è il massimo che crea una cultura nazionale.
Gli ideali nazionali del popolo russo sono espressi in modo più completo nelle opere dei suoi due geni: Andrei Rublev e Alexander Pushkin.
DS Likhachev
PRINCIPALI DATE DELLA VITA DI ANDREY RUBLEV
| anni '60 del XIV secolo | L'ora di nascita di Andrei Rublev. |
| 1405 | Insieme a Feofan il Greco e Prokhor di Gorodets A. Rublev partecipa al dipinto della Cattedrale dell'Annunciazione Cremlino di Mosca |
| 1408 | A. Rublev e Daniil Cherny supervisionano il lavoro affreschi nella Cattedrale dell'Assunzione la città di Vladimir |
| 1425-1427 anni | A. Rublev e Daniil Cherny supervisionano il dipinto Cattedrale della TrinitàMonastero di Sergio |
| 1427-1430 anni | A. Rublev supervisiona la pittura di Spassky Cattedrale di Mosca Monastero di Andronikov |
| Primo quarto 15 ° secolo |
Creato "Trinità" e "grado Zvenigorod" |
| 1430 | Anno di morte del pittore |
Si sa molto poco della vita di Andrei Rublev. scendi fino a noi prove storiche sulla vita e l'opera di Andrei Rublev sono estremamente poveri di dati cronologici e in gran parte si contraddicono a vicenda, ma, tuttavia, il tempo della vita di Andrei Rublev coincide con un punto di svolta nella lotta di liberazione del popolo russo contro il giogo tataro-mongolo. Il lavoro del famoso pittore di icone segna un'importante pietra miliare nella storia dell'arte russa. Il suo nome è associato all'emergere di un movimento artistico che ha determinato lo sviluppo della pittura russa per molti decenni.
Non sappiamo esattamente quando è nato Andrei Rublev. La maggior parte dei ricercatori ritiene che sia nato nella Russia centrale, intorno al 1360. Ma la prima menzione si riferisce solo al 1405. Il documento della cronaca, che racconta la partecipazione di Andrei Rublev al dipinto della Cattedrale dell'Annunciazione, lo chiama "chernets" - un monaco, ma è possibile che abbia vissuto una parte significativa della sua vita nel "mondo". Molto probabilmente, Rublev apparteneva al numero dei grandi maestri di Mosca. Dopo aver tonsurato, divenne monaco e poi anziano della cattedrale del monastero di Spaso-Andronikov. I suoi primi lavori includono gli affreschi della Chiesa dell'Assunzione di Gorodok a Zvenigorod (1400 circa), che richiedono tuttavia ulteriori ricerche.
Nelle icone festive dell'iconostasi dell'Annunciazione, Rublev o il suo alter ego in termini di visione del mondo e pensiero artistico si dichiara una persona creativa insolitamente brillante e dotata. Queste icone si distinguono per la loro sonorità e purezza di colore, che può essere definita poetica. Il principale maestro della parte sinistra della fila festiva ci appare davanti come artista non solo creando bellissime composizioni di trama, ma pensando anche principalmente all'unità dell'insieme pittorico. Come se onde di colore percorressero la fila festosa, quando lo sguardo la copre interamente. L'Annunciazione è dominata dai toni del verde e del marrone, mentre la Natività e la Candelora sono marroni e rosse. "Battesimo" e "Trasfigurazione" - le icone più belle della serie - sono dipinte come con una foschia verdastra. Anche in "La risurrezione di Lazzaro", ma in modo più brillante e intenso, il colore rosso lampeggia, gioioso e inquietante allo stesso tempo. Il pittore di icone, così, si mostra capace di risolvere simultaneamente e in stretta connessione tra loro compiti artistici formali e semantico-contenutistici.
La morte del pittore di icone Andrei Rublev nel monastero di Andronikov. libro in miniatura
"Trasfigurazione" è senza dubbio un'opera d'arte eccezionale. Il maestro qui interpreta il tema della natura della Luce del Tabor che preoccupava i suoi contemporanei, risolvendolo ideologicamente nello spirito degli insegnamenti degli Esicasti, ma offrendo un'incarnazione artistica molto individuale. Non rappresenta la brillantezza abbagliante di striature di luce dura o raggi lunghi. Ma l'intera icona brilla come se dall'interno con un tenue bagliore argenteo. In Trasfigurazione, i principi dell'organizzazione della composizione caratteristici di Rublev, in particolare la connessione più stretta dell'immagine con la configurazione del campo compositivo e il delicato equilibrio ritmico delle parti, hanno trovato una vivida espressione. I contorni delle vesti e delle teste dei profeti, unendosi al segmento superiore della testa rotonda di Cristo, formano un arco elastico, rivolto verso il basso, parallelo ai bordi dell'iconica arca. C'è l'immagine di un cerchio invisibile. Allo stesso tempo, il gruppo di figure superiore risulta essere collegato a quello inferiore, disteso ai margini della composizione, come da un campo di forza invisibile. Cristo e i profeti sembrano librarsi in cima all'icona. Nella struttura ritmica dell'icona si possono distinguere le seguenti relazioni: la figura di Giacobbe protesa quasi verticalmente - il gruppo di alberi posto sopra - la mano destra alzata di Cristo; la mano sinistra di Cristo si abbassa dolcemente e “continua” da un himation pendente - il gruppo inferiore di alberi - la figura di Pietro accovacciato a terra.
L'icona "La Resurrezione di Lazzaro" è unica nella sua costruzione. I dettagli tradizionali sono qui disposti in un modo nuovo, e quindi la composizione nel suo insieme ha acquisito nuovo significato. Questa è una novità: la posizione sull'icona degli apostoli: non dietro Cristo, come è consuetudine, ma davanti a lui. Non si conosce alcuna Resurrezione di Lazzaro creata in precedenza, né in Oriente né in Occidente, dove sarebbe stato utilizzato uno schema iconografico simile. Qual è il suo significato? Apparentemente, il fatto che l'artista volesse mostrare ciò che stava accadendo attraverso gli occhi dei discepoli di Cristo, elevando lo spettatore al più alto livello di visione e conoscenza spirituale. Molto contenuto nel riprodurre le emozioni dirette, denota il rapporto dei personaggi con il simbolismo delle macchie di colore, il personaggio costruzioni lineari. Il gruppo centrale è nettamente interrotto all'interno dal contrasto di luce e buio. Cristo è in una veste verde scuro e marrone. Giovanni, che gli si oppone, è vestito di rosso. Al centro della tavola dell'icona, una grande macchia rossa brillante sembrava essere "schizzata fuori", sonora e maggiore, posata in tutta la forza del tono.
Il maestro ha seguito un percorso estremamente raro nella pratica della pittura di icone medievali per creare una composizione artistica originale. Fu un passo di straordinario coraggio, a testimonianza dell'ampiezza delle esigenze creative del pittore.
Una delle prime pagine affidabili della biografia artistica di Andrei Rublev si apre per noi nel 1408. Quest'anno, lui e il suo più caro amico e collega di lunga data Daniil Cherny hanno decorato con affreschi e icone il tempio più venerato della Rus' di Mosca, la Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir, in cui, secondo la tradizione, si è tenuta una cerimonia solenne per erigere il successivi governanti della Rus' dalla casa di Kalita alla tavola del gran principe.
Ascensione del Signore, 1408
Tra i frammenti di affreschi pervenuti ai nostri giorni, l'immagine del Giudizio Universale, che un tempo occupava la parte occidentale dello spazio delle tre navate principali, è quella meglio conservata. Gli artisti centrali hanno voluto mostrare l'inizio e il processo del giudizio - angeli strombazzanti, al segnale delle cui trombe la terra e il mare "regalano" il popolo risorto, Cristo discendente dal cielo, il "trono preparato", gli apostoli-giudici , circondato da un esercito angelico. Dato il compito di rappresentare l'azione non su una superficie piana di un muro, ma su un complesso sistema di volte, archi e pilastri, Andrei Rublev, Daniil Cherny ei loro assistenti sono riusciti a creare una composizione pittorica sorprendentemente integrale. Il suo centro era l'immagine di Cristo in un alone di gloria, circondato da un anello di "poteri celesti", che è scritto allo zenit della volta. Tutto intorno gravita verso questa immagine. Le sagome di angeli trombettieri e apostoli rivolti verso l'interno della scena sull'arco completano l'anello di immagini provenienti da ovest e da est. Dal pilastro meridionale e dall'arco del passaggio nella navata meridionale, schiere di santi si avviano verso il Salvatore. Lo sforzo ritmico verso il centro è il motivo principale della rappresentazione dell'ostia angelica.
Salvato in forza, 1408
Chiusi a cerchio gli affreschi della navata meridionale dedicati al tema del paradiso. E qui alcuni dei giusti, che marciano dietro l'apostolo Pietro, scrutano con impazienza il paradiso, scritto sopra lato opposto volta, e da lì i bambini giusti li guardano con curiosità.
Discesa agli inferi, 1408-1410.
Così, lo spazio in cui lo spettatore si muoveva effettivamente, considerando questo o quel dettaglio dell'immagine, era allo stesso tempo lo spazio del dramma escatologico impresso. Questi affreschi esprimevano la capacità dei muralisti medievali di stabilire un contatto tra i personaggi della leggenda cristiana resuscitati dal loro pennello e lo spettatore, per creare un “effetto partecipativo” per quest'ultimo.
Il Giudizio Universale di Andrei Rublev e Daniil Cherny, nonostante tutto il suo tradizionalismo esteriore, è un fenomeno artistico del tutto insolito. Questo non è un tribunale di punizione e di castigo, che fa tremare una persona, ma il grande trionfo finale del bene, l'apoteosi della giustizia, preparata e patita attraverso l'intera esistenza precedente dell'umanità. Ecco perché Cristo è così energico e luminoso (sebbene guardi i peccatori con un "occhio feroce"), la saggia conversazione degli apostoli è calma, le pose di bellissimi angeli, aprendo l'ultima azione nello spettacolo della vita con i suoni di le loro trombe, si distinguono per tale grazia. The Last Judgment di Rublev e Daniil è una sinfonia di ritmi morbidi e fluidi e colori gioiosi e puri. Già un suono di un grande insieme sonoro di toni blu, verde chiaro, viola, dorato, ciliegia, rosso-marrone determinava la struttura emotiva dell'affresco. Una delle scene migliori della composizione, riscaldata da un sentimento sincero, è "I santi vanno in paradiso". Particolarmente significativa è l'immagine dell'apostolo Pietro, il capo del popolo che marcia dietro di lui, non per la potenza ricevuta, ma per la forza del carattere, per la disponibilità a dedicarsi al servizio del bene comune.
Natività. Cattedrale dell'Annunciazione al Cremlino di Mosca
Andrei Rublev e Daniil Cherny non hanno semplicemente dipinto il futuro dell'umanità come lo immaginavano. Gli artisti hanno agito come appassionati difensori della loro posizione morale. La prova del loro pathos di predicazione è l'introduzione di tre medaglioni nella composizione del Giudizio Universale, in quello centrale è scritta la "mano di Dio" con le anime dei giusti, e in quelli laterali - i profeti David e Isaia con messaggi arrabbiati che denunciano i peccatori. Con mezzi artistici laconici, Rublev e Daniil formularono un appello per una vita pura e retta, che suonava particolarmente acuta nell'era delle incessanti invasioni nemiche e del conflitto civile feudale, accesi dibattiti su fede e verità.
Arcangelo Michele, 1408. Ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
I resti dell'affresco di Andrei Rublev e Daniil Cherny nella Cattedrale dell'Assunzione hanno conservato molti altri esempi della loro abilità. Il profondo lirismo è stato segnato dal volto di Cristo nella composizione del Battesimo, prefigurando in qualche modo gli angeli della Trinità. C'è molto commozione e tenerezza nella figura di Madre Maria - Anna, avvolta in un velo rosso porpora, china sulla Madre di Dio nell'"Entrata nel Tempio". "Transfiguration" si distingue per un sottile ritmo compositivo. Pieno di significato interiore e magnifico nel disegno dei volti degli apostoli nella "Discesa dello Spirito Santo". Il busto di un guerriero su uno dei pilastri delizia con la raffinatezza della gamma colorata. Nell'altare della cattedrale sono sopravvissute scene della vita di Giovanni Battista e il volto di sant'Eleuterio, memorabile per la purezza delle linee e l'elevata spiritualità. Sulle colonne dell'altare ci sono immagini di re e martiri dell'Antico Testamento.
Il dipinto della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir ha testimoniato la formazione finale dell'individualità creativa e dell'abilità artistica di Andrei Rublev. È possibile che già qui (ma non prima del 1410) lui, insieme al suo amico Daniel e ad altri artisti, abbia risolto il problema di creare un'iconostasi del tempio monumentale senza precedenti, composta da tre file, la cui altezza totale era di circa 6 metri ( la storia di questo complesso di icone non è stata sufficientemente chiarita). La Russia moscovita non sapeva nulla di simile non solo prima, ma molti anni dopo. L'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir è diventata un modello per molto tempo.
Nel livello deesis dell'iconostasi, gli artisti avrebbero introdotto immagini di santi russi, in particolare il metropolita Pietro e Leonty di Rostov. La "co-avvenzione" dei santi di Mosca e Vladimir ha espresso nella pittura quell'idea di Mosca che eredita i diritti e le tradizioni del "vecchio Vladimir", che è diventata l'idea centrale del giornalismo di Mosca e si è riflessa nelle menti dei contemporanei di il processo di unificazione delle terre russe. La nuova iconostasi riorganizzò fondamentalmente lo spazio artistico del tempio, divenendone il centro focale, ideologico, compositivo e cromatico. Le parti componenti dell'iconostasi erano collegate in un unico insieme da un colore complesso e un ritmo lineare.
Arcangelo Gabriele, 1408. Un ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
Tra le migliori icone dell'iconostasi di Vladimir c'è l '"Apostolo Paolo" del livello Deesis. Questo è un vero capolavoro. L'apostolo, avvolto in un'insolita himation verde, è raffigurato con un leggero movimento, stringendo il vangelo tra le mani e con un'espressione di profondo pensiero sul volto. Le proporzioni allungate conferiscono all'enorme figura di tre metri un'armonia esagerata e, per così dire, assenza di gravità. Di più motivo in più attribuire al pennello dello stesso Rublev l'immagine locale della "Nostra Signora di Vladimir", il cui fascino sta nel suo impeccabile "costruito", rapporto inequivocabilmente ritrovato tra la figura della Madre di Dio e il campo dell'icona, il l'integrità della silhouette, la bellezza dell'incarnazione dell'artista dei teneri sentimenti materni.
Arcangelo Michele dal livello Deesis, 1414
Nel 1918, in una legnaia vicino alla Cattedrale dell'Assunzione a Zvenigorod, furono trovate tre icone: "Salvatore", "Arcangelo Michele" e "Apostolo Paolo", conosciute da allora con il nome di rango Zvenigorod.
Terme, 1410
Apostolo Paolo dal livello Deesis, 1410.
Un tempo facevano parte di un livello di deesis a nove cifre, apparentemente scritto da Andrei Rublev all'inizio del XV secolo per la chiesa del palazzo di Zvenigorod, il principe Yuri Dmitrievich. Il grado Zvenigorod apparteneva al tipo più comune di rango deesis, anche nel XV secolo, il rango a mezza cifra. Tuttavia, la sua iconografia appartiene a un nuovo tempo. Il Salvatore di Zvenigorod è quasi identico all'Onnipotente raffigurato nella cupola. E la figura perduta della Madre di Dio con la mano premuta sul petto somigliava a Maria nella scena della Crocifissione. L'iconografia del grado rifletteva quelle nuove idee nel campo della liturgia e dell'interpretazione del simbolismo dell'altare (in particolare, l'esperienza del tema "appassionato"), che sono caratteristiche dell'era dell'esicasmo e si sono incarnate con il massimo completezza nelle composizioni deesis di iconostasi elevate. Allo stesso tempo, gli insiemi di icone basati sulla deesis del tipo “Zvenigorod” erano ancora privati della maestosa solennità e complessità iconografica delle nuove iconostasi. Le loro immagini sono più da camera, intime e vicine a chi prega. Perché Dio stesso è apparso qui non in uno splendore spaventosamente abbagliante di gloria, ma nelle vesti di un "uomo perfetto", nelle vesti modeste del vangelo di Gesù, maestro e predicatore. Ecco come appare il Salvatore sull'icona Zvenigorod di Rublev. Nonostante l'estrema frammentazione del dipinto superstite (il volto e una piccola parte della figura), quest'opera affascina sia per le sue forme che, soprattutto, per la straordinaria bellezza interiore dell'immagine nata dall'anima pura dell'artista.
La Madre di Dio, 1408, Ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
La figura di Cristo è data in un movimento morbido, quasi impercettibile. Il suo busto è leggermente ruotato a destra. Vediamo una leggera curva nel collo. Il volto di Cristo è quasi frontale. Una pesante cuffia di capelli prevale sulla destra, echeggiando la rotazione del corpo, che rende appena percettibile la rotazione della testa. E per trovare il contatto tra il Salvatore e lo spettatore, il pittore di icone sposta leggermente le pupille a destra. In ogni cosa qui c'è un minimo di movimento, qualcosa di sfuggente che separa la creazione di Rublev dalle numerose "Terme" che abitavano le antiche chiese e dimore russe. Le Zvenigorod Spas, con i suoi lineamenti morbidi e non esagerati e gli occhi attenti e leggermente tristi fissi sullo spettatore, incarna le idee tipiche russe sulla bellezza esterna e interna di una persona.
Gregorio il Teologo, 1408. Ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
Giovanni Crisostomo, 1408. Un ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
L'immagine del Salvatore di Zvenigorod è una delle più alte conquiste del genio artistico di Andrei Rublev. Ad abbinare questo lavoro c'erano altre icone del rango. L'Arcangelo Michele, l'incarnazione della bellezza ideale della giovinezza, si distingue per l'incredibile perfezione delle forme. Spiritualità e saggezza emanano dal volto dell'apostolo Paolo, che meditava sui versi del vangelo socchiuso. Sui vestiti dell'apostolo, il lapislazzuli brilla come una gemma: il famoso rotolo di cavolo cappuccio Rublev, che in seguito divenne la base per la combinazione di colori dell'icona della Trinità.
Santissima Trinità, 1410s.
"Trinity" - la più perfetta tra le icone sopravvissute di Andrei Rublev e la più bella creazione dell'antica pittura russa - è stata scritta dall'artista, molto probabilmente, proprio all'inizio degli anni '10 del XV secolo. È generalmente accettato che sia stato creato da Rublev per l'iconostasi della cattedrale del monastero di Troy-tse-Sergius. Tuttavia, i documenti sopravvissuti testimoniano che l'icona è un contributo al monastero dello zar Ivan il Terribile. E nel palazzo reale, "Trinity" è arrivato, a quanto pare, dopo l'incendio di Mosca del 1547. È possibile che l'icona fosse intesa da Rublev per l'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Gorodok a Zvenigorod, cioè faceva parte dello stesso insieme con il grado Zvenigorod.
Giovanni il Teologo, 1408. Un ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
Giovanni Battista, 1408
Iconostasi della Cattedrale della Trinità
Lo sviluppo del culto della Trinità in Rus' fu associato alla personalità e alle attività di Sergio di Radonezh, che creò il Monastero della Trinità, “per guardare Santa Trinità fu vinta la paura dell'odiosa contesa di questo mondo» (Epifanio il Saggio). Così, il tema della Trinità fu compreso dal popolo russo avanzato dell'epoca, il cui portabandiera era Sergio, e come tema profondamente civile, come tema dell'unità nazionale. Probabilmente, Rublev dipinse la sua icona in "lode" a Sergio, un uomo di cui era fedele seguace. Questo, a quanto pare, ha determinato la scala del concetto creativo del maestro, la straordinaria capacità dell'immagine artistica da lui creata. Non c'è dubbio inoltre che la composizione e lo schema cromatico della "Trinità" siano stati fortemente influenzati dalla natura dell'iconostasi, di cui faceva parte. Le grandi dimensioni delle figure e la colorazione delle vesti di Cristo e degli arcangeli nella cintura di rango si riflettono nelle corrispondenti componenti delle caratteristiche degli angeli della Trinità.
Andrea il Primo Chiamato, 1408. Ciclo di icone del livello Deesis dell'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir
Annunciazione, 1405
Trasfigurazione, primo quarto del XV secolo.
La trama della "Trinità", o "Ospitalità di Abramo", è l'accoglienza e il ristoro da parte dell'anziano Abramo e di sua moglie Sara sotto la quercia di Mamre tre mariti viandanti, a immagine dei quali apparve il Dio uno e trino. Gli erranti predissero ad Abramo la nascita di un figlio, Isacco. Di solito, gli artisti, illustrando questa trama, si concentravano sui dettagli della storia biblica, ritraevano Abramo e Sara, portando rinfreschi, oltre a un servo, "che uccideva" il vitello. Rublev, prendendo come base lo schema iconografico bizantino della composizione della Trinità, lo sottopose a un ripensamento radicale e creò di conseguenza qualcosa di completamente nuovo e originale. La scena è stata liberata dai dettagli che le davano la colorazione del genere. Concentrando l'azione attorno a tre angeli che conversano prima del pasto, al centro del quale si erge una coppa con la testa di un vitello - simbolo del sacrificio di Cristo sulla croce - Rublev "legge" la composizione con un piano contenutistico completamente diverso, rivelandone la simbolismo teologico e ideologico. Non c'è storia - quindi, non c'è tempo che scorre; l'eternità non “sfarfalla” attraverso il velo dell'“oggi”, ma come se apparisse direttamente a una persona. Perché gli estranei non predicono la nascita di un figlio ad Abramo, ma sono in una conversazione impercettibile. Davanti a loro non c'è una tavola da banchetto, ma un pasto sacro, non frutta e pane, ma una coppa eucaristica. Questo è l'eterno consiglio di mandare il Figlio da parte del Padre a soffrire in nome della salvezza delle persone. Questo è l'amore e il consenso dei tre che lo compongono, visti nell'occhio della mente dell'artista. Quasi l'unico tra i pittori del Medioevo, Rublev riesce a risolvere un problema creativo quasi insolubile: mostrare la Trinità come una trinità. Di solito questa tesi teologica ha sconcertato i maestri bizantini e russi, che si sono concentrati su Dio Figlio - Cristo, o hanno scritto tutti e tre gli angeli esattamente allo stesso modo. Rublev ha raggiunto il successo non percorrendo il percorso dell'illustrazione scolastica del dogma, ma lungo il percorso della sua interpretazione ed esperienza artistica.
Angelo. Miniatura di Andrey Rublev. Vangelo Khitrovo, XIV secolo.
I tre angeli di Rublev sono uniti non perché siano identici, ma perché, prima di tutto, sono collegati da un unico ritmo, movimento in cerchio o movimento circolare. Questa è la prima cosa che cattura immediatamente e con forza quando si contempla la Trinità di Rublev. Sin dai tempi antichi, il cerchio è stato simbolo di armoniosa completezza, simbolo del cielo e della luce. Sull'icona di Rublev, è fissato più luminoso dallo sguardo interiore dello spettatore, che in realtà non lo è. Il cerchio è formato dalle pose, dai movimenti degli angeli, dalla correlazione delle loro figure. Per fare ciò, Rublev ha dovuto ripensare completamente all'immagine dell'angelo sinistro, il personaggio più statico della Trinità bizantina. Dipinse la sua figura in modo tale che le gambe dell'angelo si spostassero al centro del palcoscenico, riempiendo il "vuoto" nella sua parte inferiore. Allo stesso tempo, Rublev ha spostato la figura dell'angelo di mezzo a sinistra dell'asse centrale. Queste sono state scoperte brillanti. Grazie a loro si superava nella composizione l'equilibrio statico, nasceva quell'armonica asimmetria, quel movimento di figure immobili, che costituiscono uno dei principali segreti della "Trinità" di Rublev. Il cerchio in esso contenuto è vissuto come principio attivo, come simbolo del flusso eterno della vita. Determina l'organizzazione interna dell'immagine, la plasticità dei corpi, il disegno delle pose, l'inclinazione delle teste, la curva delle braccia, chiude le ali degli angeli in una leggera cortina dorata, “piega” la montagna e l'albero sopra le loro teste.
Il cerchio invisibile, “immaginabile” è inscritto nell'ottaedro invisibile, formato dalle sezioni del piede, dalle sezioni delle ali, dalla configurazione delle camere e dalla montagna. Pertanto, la geometria interna dell'immagine si fonde gradualmente con la geometria del campo dell'icona. Forse, nei paesi del mondo cristiano orientale, non è stata ancora realizzata alcuna opera con un'organizzazione armonica così perfetta, non è apparso alcun artista che graviti così chiaramente verso forme idealmente corrette e creativamente trasformate. Non è un caso che la "Trinità" evochi costantemente associazioni tra ricercatori con opere d'arte antica. Naturalmente, Rublev non ha mai visto queste opere. Ma attraverso i pensatori medievali e paleocristiani, attraverso Dionigi l'Areopagita e altri eminenti teologi, poté unire le leggi della bellezza, formulate per la prima volta dai filosofi dell'antichità, ad esempio, la dottrina pitagorica del numero come base dell'armonia mondiale o il principio di misura universale platonico (i nomi di Platone e Pitagora erano noti agli scribi moscoviti dell'epoca di Rublev).
Se il motivo del movimento circolare serve come mezzo di espressione artistica dell'unità degli angeli, allora, caratterizzando ogni figura, il maestro cerca di rivelarne l'individualità - attraverso la postura, il gesto, la posizione nello spazio iconico e, infine, il colore. L'angelo di destra è vestito con una tunica blu e un himation verde chiaro, quello di sinistra è vestito con un chitone blu e un himation rosa-lilla, l'angelo di mezzo è vestito con una tunica ciliegia e un himation blu. I colori blu ciliegia sono i colori delle vesti di Cristo, la cui immagine era percepita dalla coscienza dell'osservatore tanto più facilmente perché lo vedeva così al centro del rango della cintura ed era abituato ad associarlo al personaggio centrale del Trinità.
Monastero di Savvino-Storozhevsky
Andrey Rublev e Daniil Cherny tempo diverso soddisfatto
diverse grandi opere nei templi di Zvenigorod -
nella Cattedrale dell'Assunzione a Gorodok e nella Cattedrale
Natività della Vergine Monastero Savvino-Storozhevsky
Sull'icona di Rublev, il tema dell'angelo di mezzo - Cristo è indissolubilmente legato al tema della coppa, che compare più volte nella composizione, intensificandosi gradualmente, come il tema principale di un'opera sinfonica. La ciotola è formata dalle linee delle basi. La forma della ciotola è assunta dal pasto (su cui si erge la vera ciotola), delimitato dai contorni delle gambe piegate degli angeli laterali. Infine, quando lo sguardo dello spettatore, scivolando sulle sagome delle figure estreme, passa alla comprensione di altre dimensioni, vede di nuovo, per così dire, una ciotola gigante in cui è immersa la figura dell'angelo di mezzo, Cristo l'Agnello. Pertanto, l'idea di un sacrificio redentore è incarnata da Rublev non solo attraverso la conversazione della divina Trinità alla coppa con la testa di un vitello. Si incarna anche attraverso il confronto della vera ciotola del pasto con quella che è formata dalla proporzione delle figure e che si vede come da "occhi ragionevoli", scomparendo non appena l'attenzione del contemplatore ritorna sugli oggetti del mondo esterno. Affinché questa immagine sorgesse, in modo che il pensiero divino, la Provvidenza, fosse espresso con mezzi artistici, Rublev ha sottoposto la sagoma dell'angelo destro alla più forte deformazione lineare.
Sottigliezza spirituale, inclinazione sottomessa del capo, uno sguardo fisso su se stessi e un caratteristico gesto della mano tesa verso la coppa permettono di vedere lo Spirito Santo nell'angelo destro, e i segni di Dio Padre nella figura raddrizzata e nel viso severo della sinistra.
Angelo di mezzo - personaggio principale icona rublevskaya. Qui il maestro ha messo il punto colorato più intenso. Il chitone viola contrasta con il blu intenso dell'himation. Il prezioso lapislazzuli, posato in piena forza di tono e accompagnato da un accompagnamento dei mezzitoni più delicati e ricchi, appare esso stesso sull'icona come una meraviglia artistica senza precedenti, capace di ammaliare, evocando una risposta profonda nell'anima. Gli angeli estremi sembrano riflessi di colore della figura centrale, i colori dei loro vestiti suonano come riflessi un po' smorzati del punto colorato principale.
La distinzione tra gli angeli della "Trinità" si realizza, quindi, non con mezzi teologici attributivi, ma con mezzi puramente artistici, che è una conquista importante per un pittore medievale.
Tuttavia, non si dovrebbe pensare che Rublev si sia posto il compito di identificare con certezza ciascuna delle ipostasi della Trinità. Pensarlo sarebbe antistorico. È stata rivelata solo l'ipostasi dell'angelo di mezzo, poiché una persona poteva entrare in comunione con la Trinità solo per mezzo di Cristo (come risultato della sua incarnazione). Ma il Figlio era nello stesso tempo l'immagine del Padre. Pertanto, è possibile anche un'altra “lettura” delle relazioni ipostatiche degli angeli. La polisemia è inerente al concetto stesso della Trinità di Rublev. Lo spettatore probabilmente lo percepiva in modo diverso, a seconda del lato del dogma della trinità a cui pensava, a seconda del livello della sua cultura spirituale.
La ricchezza artistica e ideologica della "Trinità" di Rublev sembra inesauribile. Nonostante i notevoli danni allo strato pittorico (soprattutto la pittura dei volti), l'occhio non si stanca di trovare nuova bellezza nel suo ritmo straordinario, nelle eloquenti armonie cromatiche, nella correlazione sempre variabile di pari e dispari, due e uno. Le sagome degli angeli, in particolare l'angelo centrale, hanno una tale espressività musicale delle linee, che sarebbe vano cercare nelle creazioni degli artisti bizantini (a questo proposito, forse, i maestri italiani sono più vicini a Rublev). Un tale lavoro non poteva che essere il frutto del massimo sforzo creativo e di molti anni di ricerca e riflessione. Ovviamente, nel processo di creatività, Rublev si è rivolto ripetutamente al tema della Trinità e ha creato una serie di sue interpretazioni, alcune delle quali sono diventate modelli per i successivi pittori di icone russe.
La vita di Andrei Rublev è stata piena di un intenso lavoro creativo. Eseguì numerosi ordini privati, decorò chiese con affreschi. Le ultime opere del grande artista sono, purtroppo, quasi nessun murales sopravvissuto delle cattedrali dei monasteri Trinity-Sergius e Spaso-Andronikov (anni '20 del XV secolo).
Nella Cattedrale della Trinità, i pittori di icone della squadra di Rublev hanno creato una bellissima iconostasi a tre livelli che è sopravvissuta fino ai nostri giorni, in cui il maestro stesso, forse, possiede l'idea generale e i campioni iconografici delle composizioni. Nell'iconostasi della Trinità, i discepoli ei seguaci di Rublev, che avrebbero incarnato e portato avanti i suoi precetti ideologici e artistici, hanno detto la loro. Non potendo percepire l'arte del geniale maestro nella sua interezza, in tutta la sua profondità e complessità, ne svilupparono le motivazioni e gli aspetti individuali. L'icona più affascinante del livello festivo dell'iconostasi della Trinità è la "Donna portatrice di mirra", il cui autore ha rielaborato la composizione straordinariamente poetica di Rublev nella direzione di un'arte raffinata. Come tre bei fiori su un unico stelo, tre figure femminili flessibili e aggraziate sono saldate insieme, in piedi davanti alla tomba di Cristo, una sorta di simbolo della penetrante esperienza lirica del miracolo della risurrezione.
Tra i capolavori dell'arte libraria di Mosca dell'era Rublev c'è anche il "Salterio di Kiev", scritto nel 1397 a Kiev dall'arcidiacono metropolita Spiridonius e decorato con numerose immagini in miniatura ai margini. Il principale maestro illustratore di questo codice può essere tranquillamente classificato tra gli artisti eccezionali del suo tempo, la qualità della pittura è così alta, il disegno è così artistico, le composizioni sono naturali ed eleganti, la combinazione di colori è squisitamente elegante, le figure, le loro pose e gesti sono aggraziati. I creatori delle miniature degli Atti degli Apostoli del monastero di Kirillo-Belozersky (il primo terzo del XV secolo) furono sotto l'influenza incrociata delle tradizioni bizantine e Rublev. Molto espressiva qui, ad esempio, è la sagoma "di calco" della figura dell'apostolo Paolo.
Monastero di Spaso-Andronikov
Andrei Rublev morì probabilmente il 29 gennaio 1430 e fu sepolto nel monastero di Spaso-Andronikov. L'ascesa più alta nella storia delle antiche belle arti russe è associata al suo nome. Rublev è stato l'artista che ha creato il proprio stile, infinitamente perfetto, profondamente russo nella sua essenza ed espressione artistica (sebbene molto debitore alle conquiste dell'arte bizantina), ma allo stesso tempo, con nobile semplicità, fa ricordare l'arte di antichità.
Andrey Rublev ha dato un grande contributo allo sviluppo dell'arte del libro di Mosca. Ovviamente ha preso la parte più diretta nell'illustrare il Vangelo di Khitrovo (dal nome del proprietario del XVII secolo), le cui iniziali di animali sono sorprendentemente vicine alle immagini di animali nei dipinti di Vladimir. La maggior parte delle miniature di questo manoscritto può essere probabilmente associata a Rublev. Le miniature di "Gospel Khitrovo" si distinguono per il loro disegno impeccabile ed elegante, le composizioni armoniose e la nobiltà dei colori basata su una combinazione di toni freddi blu, viola, grigio-bluastro sbiancato e verde e oro. Il simbolo dell'evangelista Matteo - un angelo - con il perfetto inserimento della sua figura in un medaglione rotondo, all'interno del quale si muove con disinvoltura e naturalezza, evoca vivide associazioni con la "Trinità". Artisti vicini a Rublev (in particolare, probabilmente Daniil) hanno illustrato il Vangelo della Cattedrale dell'Assunzione (il Vangelo di Morozov) e il Vangelo del monastero di Andronikov.
La personalità di Rublev, in un modo o nell'altro, ha lasciato il segno in tutti i tipi di creatività artistica. Tra i lavori di cucito, la magnifica copertura della tomba di Sergio di Radonezh, il cui volto ha apparentemente tratti di ritratto, gli è molto vicino nell'umore. L'immagine di Sergio ha qualcosa in comune con i singoli personaggi degli affreschi di Vladimir, sebbene abbia anche tratti di severità patriarcale.
Nell'arte plastica fine, la tradizione di Rublev è stata sviluppata dal monaco intagliatore del legno del monastero della Trinità-Sergio Ambrose.
Monumento ad Andrei Rublev
Lo stile di Rublev, la struttura lineare e coloristica delle sue icone e affreschi, che incarnavano armonia e bellezza, il nuovo ideale estetico sviluppatosi nel suo lavoro, determinarono il volto della scuola pittorica di Mosca. Le tradizioni di Rublevsky dovevano lunga vita nella cultura artistica russa.
Elenco della letteratura usata:
1. Alpatov, M. Andrei Rublev [Testo] / M. Alpatov. - M.: Istruzione, 1969.
2. Guseva, E. K. A. Rublev [Testo] / E. K. Guseva. – M.: Arti visive, 1990.
3. Klyuchevsky, V. O. Il corso della storia russa. V. 2 [Testo] / V. O. Klyuchevsky. - M.: Biblioteca Storica, 2002. - 296 pag.
4. Lazarev, scuola di pittura di icone V. Mosca [Testo] / V. Lazarev. M.: Arte, 1980.
5. Plugin, V. A. La visione del mondo di Andrei Rublev [Testo] / V. A. Plugin. – M.: Università di Mosca, 1974.
6. Radugin, A. A. Culturology [Testo]: un corso di lezioni / A. A. Radugin. - M.: Centro, 1996.
Gli artt. Sfortunatamente, non si sa molto sulla vita di questa persona straordinaria, le informazioni sono gravemente carenti, inoltre, molte delle opere di Rublev non sono sopravvissute fino ad oggi.
La data di nascita di Rublev non è nota con certezza, gli storici chiamano 1360 o 1370. Il luogo della sua nascita è considerato la Russia centrale, per essere più precisi, è nato nelle terre del principato di Mosca.
Sulla base dell'origine del cognome (la parola Rublev, molto probabilmente, deriva dalla parola rubel, che significa uno strumento per godronare la pelle), si può presumere che Andrei sia figlio di un artigiano.
Nel 1405 negli annali compaiono riferimenti ad Andrei Rublev. La cronaca dice che in quel momento, a Mosca, era necessario dipingere la Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino, e questa fu affidata a Teofano il Greco, al maestro Prokhor, così come al monaco Andrey Rublev.
Sulla base di questa voce, si può presumere che Andrei fosse un monaco, e il nome con cui è passato alla storia è stato ricevuto durante la tonsura. Si ritiene che abbia preso la tonsura presso il Monastero della Trinità, il cui rettore era Nikon, un discepolo.
Il dipinto della Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca è andato perduto. D'altra parte, sono state conservate diverse icone di Andrey Rublev, che dipinse appositamente per questa cattedrale.
Torniamo alla storia. Negli annali il nome di Andrei si riferisce al 1408. Rublev iniziò a dipingere la Cattedrale dell'Assunzione a , che è sopravvissuta. La Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir è un meraviglioso monumento architettonico e religioso, la cui unicità è aggiunta dal fatto che il suo dipinto è l'unico dipinto di Rublev sopravvissuto fino ad oggi.
Nel dipinto della Cattedrale dell'Assunzione, particolare attenzione dovrebbe essere prestata all'affresco "Il Giudizio Universale". Rublev aveva la sua opinione su argomenti religiosi. E formidabile, come era la scena accettata, si presentava in modo diverso. Il Giudizio Universale si è trasformato in una festa, una celebrazione della giustizia.
Negli anni '20 del XV secolo, Rublev dipinse la Cattedrale della Trinità. Purtroppo, anche questo lavoro è andato irrimediabilmente perso. L'ultima opera del pittore di icone russo è stato il dipinto della cattedrale Spassky del monastero di Spaso-Andronikov e, paradossalmente, anche questo dipinto è andato perduto.
La paternità di Andrei Rublev appartiene a un'icona meravigliosa: "Trinity". "Trinity" è considerato uno dei capolavori non solo dell'arte russa, ma anche del mondo. Guardando la "Trinità" è difficile non notare il lavoro virtuoso del pennello del maestro russo. Riuscì a mostrare l'armonia spirituale di tre anime luminose, conducendo conversazioni silenziose tra loro.
Nel 1551, dopo la morte di Rublev, si tenne la cattedrale di Stoglavy, in cui la sua iconografia fu definita esemplare. I discendenti hanno apprezzato il lavoro del pittore di icone. Rublev ha lavorato in un'era di cambiamento. Grandi cambiamenti stavano arrivando nella vita di una persona russa. liberato dall'oppressione tataro-mongola e la società viveva con la speranza di un futuro meraviglioso e luminoso. Ha anche aiutato la società, a credere e sperare, con le sue icone e affreschi.
Dicono che Andrea fosse un uomo pio e mite. Ha dedicato tutta la sua vita al servizio di Dio, della creatività e dei suoi pensieri. Morì nel 1430, il 29 gennaio, nel monastero di Andronikov. Nel 1988 Andrei Rublev è stato canonizzato santo. Memorial Day Andrey Rublev 17 luglio.
Nel 20 ° secolo, l'interesse per il lavoro di Andrei Rublev, la sua vita e il suo lavoro sono aumentati notevolmente. Grazie alle attività di vari restauratori - altruisti, noi, anche oggi, possiamo godere dell'opera del Grande.
Dettagli Categoria: Arte dell'Antica Rus' Inserito il 16.01.2018 14:36 Visualizzazioni: 1455Il nome di Andrei Rublev divenne la personificazione dell'antica arte russa.
Andrej Rublev- forse l'artista più famoso Rus' medievale. Il suo nome è ancora ben noto oggi, ma della sua vita si sa molto poco.
Non si sa dove e quando sia nato. Mosca è chiamata il luogo della sua nascita (1360?) e il luogo di residenza è il Monastero della Trinità.
La prima menzione cronaca del "nero Andrey Rublev" risale al 1405: in questo periodo, insieme a Feofan il greco e Prokhor di Gorodets, decora con icone e affreschi la Cattedrale dell'Annunciazione del Cremlino di Mosca. Questi affreschi non sono sopravvissuti.
Icona "Sant'Andrei Rublev"
Alcune informazioni su di lui possono essere raccolte dagli annali. Ad esempio, la cronaca indica che nel 1408, insieme a Daniil Cherny, dipinse la Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir, la Chiesa della Santissima Trinità nel Monastero della Trinità. Gli affreschi non sono sopravvissuti. Secondo Epifanio il Saggio, Andrei Rublev dipinse questo tempio negli anni '20 del Quattrocento. Dopo la morte di Daniil Cherny, Andrei Rublev lavorò nel monastero di Andronikov a Mosca, dove dipinse la Chiesa del Salvatore (la sua ultima opera). Ma fino ad oggi sono sopravvissuti solo piccoli frammenti dell'ornamento.
La maggior parte delle opere documentate di Rublev non ci sono pervenute, ad eccezione di due icone della deesis e sette icone della fila festiva nell'iconostasi della Cattedrale del Cremlino dell'Annunciazione; parte degli affreschi della Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir; la famosa icona "Trinità" dalla Chiesa della Trinità dell'omonimo monastero.
A Rublev sono attribuite anche miniature e iniziali del Vangelo di Khitrovo (inizio del XV secolo, Biblioteca di Stato russa, Mosca); Nostra Signora della Tenerezza dalla Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir (1408-1409 circa); Grado Zvenigorod, dal quale sono state conservate tre icone: con Cristo Salvatore, l'Arcangelo Michele e l'apostolo Paolo (1410-1420 circa); frammenti di affreschi sui pilastri dell'altare della Cattedrale dell'Assunzione a Gorodok (Zvenigorod) e sulla barriera dell'altare della Cattedrale della Natività nel Monastero di Savvino-Storozhevsky vicino a Zvenigorod.
Ma molte altre icone sono attribuite al "cerchio di Rublev", anche se non c'è modo di confermare la loro paternità.
Andrei Rublev morì nel monastero di Andronikov il 29 gennaio 1428 (?). Dal 1959 qui opera il Museo Andrei Rublev, dove puoi conoscere l'arte della sua epoca.
Nella cattedrale di Stoglavy nel 1551, il dipinto di icone di Rublev fu riconosciuto come modello. Nel XX secolo. molte attenzioni furono riservate a questo pittore, le sue opere furono studiate e restaurate, furono chiarite le minime informazioni sulla sua vita che già si conoscevano, il suo nome fu coperto da una nebbia di romanticismo. E dopo il famoso film di A. Tarkovsky "Andrei Rublev", l'immagine di questo artista è stata attirata dall'attenzione anche di quelle persone che erano lontane sia dalla fede che dalla pittura di icone. Nel 1988 è stato canonizzato dalla Chiesa ortodossa russa come santo.
Andrey Rublev Hall nella Galleria Tretyakov
La seconda metà del XIV - l'inizio del XV secolo. erano segnati in Rus' da un interesse per i problemi morali e spirituali. Andrei Rublev ha incarnato nella sua pittura una nuova, sublime comprensione della bellezza spirituale e della forza morale dell'uomo. Pertanto, il suo lavoro è uno degli apici della cultura russa e mondiale. I più grandi maestri dell'antica pittura russa, incluso Dionisio, furono profondamente influenzati dal suo lavoro.
La Cattedrale dell'Assunzione a Vladimir è un eccezionale monumento dell'architettura in pietra bianca della Rus' pre-mongola (1158).
All'inizio del XV sec. Andrei Rublev e Daniil Cherny furono invitati a decorare il tempio. Dai loro dipinti sono state conservate immagini separate di una grande composizione del Giudizio Universale, che occupava l'intera parte occidentale del tempio, e immagini frammentarie nella parte dell'altare della cattedrale. La maggior parte degli affreschi sopravvissuti fino ad oggi sono stati realizzati nel XIX secolo.
Questo è l'unico affresco sopravvissuto dipinto da Andrei Rublev. La sua menzione è nella Cronaca della Trinità; è anche l'unico monumento documentato, accuratamente datato e conservato nel patrimonio creativo dell'artista.
La paternità dell'icona è attribuita ad Andrei Rublev. I. E. Grabar, V. N. Lazarev, G. I. Vzdornov, O. S. Popova sono d'accordo con questa opinione.
M. V. Alpatov e E. S. Smirnova rifiutano la sua paternità.
L'icona "Tenerezza" è una delle copie più antiche di "Nostra Signora di Vladimir".
Nostra Signora di Vladimir
Questa icona è lo standard della creatività di Rublev, la sua paternità è indubbia. Una delle famose icone russe.
Andrey Rublev "Trinità". Legno, tempera. 142 x 114 cm Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
L'icona raffigura tre angeli. Sono seduti a un tavolo su cui sta una ciotola con la testa di un vitello. Le figure degli angeli sono disposte in modo tale che le linee delle loro figure formino, per così dire, Circolo vizioso. Il centro compositivo dell'icona è la ciotola. Le mani degli angeli di mezzo e di sinistra benedicono la coppa. Gli angeli sono immobili, sono in stato di contemplazione, i loro occhi sono fissi sull'eternità.
Sullo sfondo una casa (le stanze di Abramo), un albero (la quercia di Mamre) e una montagna (il monte Moria).
Quercia mamvriana (quercia di Abramo)- l'albero sotto il quale, secondo la Bibbia, Abramo ricevette Dio.
Monte Moriah (monte del tempio)- una piazza rettangolare circondata da alte mura, che sovrasta il resto della Città Vecchia di Gerusalemme con un'altezza di 774 m sul livello del mare.
L'apparizione di tre angeli ad Abramo è un simbolo del Dio consustanziale e trinitario (Santa Trinità). Era l'icona di Rublev che corrispondeva a queste idee. Nel tentativo di rivelare la dottrina dogmatica della Santissima Trinità, Rublev ha minimizzato i dettagli che precedono il pasto. Gli angeli parlano, non mangiano e sull'icona tutta l'attenzione è focalizzata sulla comunicazione silenziosa dei tre angeli.
Sopra l'angelo che simboleggia Dio Padre, Rublev collocò le camere di Abramo. La quercia mamvriana simboleggia l'albero della vita e ricorda la morte in croce del Salvatore e la sua risurrezione (al centro). La montagna è un simbolo dell'ascesa spirituale, che si realizza attraverso l'azione della terza ipostasi della Trinità: lo Spirito Santo.
Questo è un vangelo manoscritto della fine del XIV secolo. È chiamato così dal nome del suo proprietario, il boiardo Bogdan Khitrovo. Il manoscritto fu decorato con un prezioso compenso e da lui donato alla Trinità-Sergius Lavra, dove rimase nell'altare fino al 1920. Attualmente il Vangelo è nella collezione della Biblioteca di Stato Russa.
Il vangelo è riccamente decorato (copricapi, iniziali, miniature e simboli degli evangelisti). L'origine del manoscritto è attribuita alla scuola moscovita di Teofane il Greco e la paternità di numerose miniature è attribuita al suo allievo, Andrei Rublev.
"Angelo Rublev"
Tutti i ricercatori sono unanimi nell'opinione che l'iconostasi appartenga all'era di Rublev e che, in un modo o nell'altro, Rublev e Daniil Cherny abbiano partecipato alla sua creazione. L'iconostasi è ancora poco studiata e non pubblicata nella sua interezza.
Questa è l'unica delle prime iconostasi alte dell'inizio del XV secolo che si è conservata quasi completamente (solo alcune icone sono andate perdute).
"Grado Zvenigorod" - tre icone raffiguranti il Salvatore, l'Arcangelo Michele e l'apostolo Paolo (dalla collezione della Galleria Statale Tretyakov).
Presumibilmente, dall'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione su Gorodok. Per molto tempo è stato attribuito al pennello di Andrei Rublev, ma nel 2017 l'attribuzione è stata assegnata sulla base di confronti high-tech con la Trinità.
Monastero di Savvino-Storozhevsky (Zvenigorod)
Fondata alla fine del XIV sec.
Immagini degli eremiti Paolo di Tebe e Antonio il Grande. Alcuni studiosi attribuiscono la paternità degli affreschi ad Andrei Rublev.
L'icona proviene dal monastero Nikolsky Pesnoshsky vicino alla città di Dmitrov. Apparteneva al grado deesis a metà figura del tipo Zvenigorodsky. Attribuito ad Andrei Rublev.
Attribuito ad Andrei Rublev o "cerchio di Rublev".
La miniatura "Il Salvatore in gloria" è stata realizzata dall'artista del circolo Rublev. Il manoscritto non contiene una datazione diretta, ma il suo design è simile a manoscritti famosi come il Vangelo di Khitrovo.
L'opera di Rublev si distingue per due tradizioni: armonia bizantina, sublime ascesi e morbidezza di stile, caratteristiche della pittura moscovita del XIV secolo. È questa morbidezza, così come la contemplazione concentrata, che distingue le sue opere da altri dipinti dell'epoca. I personaggi di Rublev sono spesso raffigurati in uno stato di riposo pacifico o in uno stato di preghiera. Questo distingue la sua opera dall'espressivo Teofane il Greco. Un'atmosfera di quieta contemplazione e bontà fluisce dalle icone di Andrei Rublev. Questo silenzio è presente anche nella colorazione: fioco, calmo; e nella rotondità delle figure; e nell'armonia dei versi, simile a una melodia tranquilla. Tutto il lavoro di Andrei Rublev è permeato di luce. Pertanto, non sorprende affatto che l'arte di Rublev sia percepita come l'ideale della pittura ecclesiastica.
