위도에서. 클래식, 라이팅. - 로마 시민의 일등석에 속함 비유적인 의미에서 - 예시적) - 예술. 방향과 그에 상응하는 미학. 이론의 출현은 16세기로, 전성기는 17세기로, 쇠퇴는 19세기 초로 거슬러 올라갑니다. K.는 근대사에서 예술의 첫 번째 경향, 즉 미학입니다. 이론이 예술보다 앞선다. 자신의 법을 실행하고 지시했습니다. 미학 K. 규범적이며 다음과 같이 축소됩니다. 조항: 1) 예술의 기초. 창의성은 마음이며, 그 요구 사항은 art-va의 모든 구성 요소에 종속되어야 합니다. 2) 창의성의 목적은 진실에 대한 지식과 예술적, 시각적 형태의 공개입니다. 아름다움과 진실 사이에는 차이가 있을 수 없습니다. 3) 예술은 자연을 따라야 하며 자연을 "모방"해야 합니다. 본질적으로 추한 것은 예술에서 미학적으로 수용 가능해야합니다. 4) 그 주장은 그 본질과 전체 예술 체계에 의해 도덕적이다. 작품은 사회의 도덕적 이상을 확인합니다. 5) 인지적, 미적. 그리고 윤리적 클레임의 품질은 특정 사항을 나타냅니다. 예술 시스템. 기술, to-ry 최고의 실용성에 기여합니다. K. 원칙의 구현; 좋은 취향의 규칙은 주어진 예술 유형 내에서 각 유형의 예술과 각 장르의 특징, 규범 및 한계를 결정합니다. 6) 예술. K.의 이론가에 따르면 이상은 골동품으로 구현됩니다. 주장-v. 따라서 예술을 달성하는 가장 좋은 방법입니다. 완벽 - 고전 모델을 모방합니다. 고대의 주장. 이름 "K." 이 방향으로 채택 된 골동품 모방의 원리에서 비롯됩니다. 고전. K.는 부분적으로 고대 미학의 특징입니다. 제국 로마의 이론가들은 그리스를 모방할 것을 요구했습니다. 샘플, 이성 등의 원칙에 따라 주장에서 안내됩니다. 고대에 대한 관심이 고조되는 르네상스 시대에 고대 숭배가 다시 등장합니다. 중세에 부분적으로 파괴되고 부분적으로 잊혀진 문화. 인본주의자들은 고대의 기념물을 연구하여 중세의 심령주의와 스콜라주의에 반대하는 투쟁에서 고대의 이교도 세계관을 지지하고자 했습니다. 불화. 관념론. "비잔티움의 몰락 동안에 보존된 필사본들, 로마의 폐허에서 파낸 고대 조각상들, 경악한 서부가 나타나기 전에 새로운 세계- 그리스 고대; 중세의 유령은 밝은 이미지보다 먼저 사라졌다"(Engels F., Marx K. and Engels F., Soch., 2nd ed., vol. 20, pp. 345-46 참조). 형성에 가장 중요 논쟁의 여지가 없는 예술의 법칙의 집합체로 받아들여진 아리스토텔레스와 호라티우스의 시학에 관한 논문 연구에 르네상스가 있었다. 민투르포, 카스텔베트로, 스칼리거 등 아리스토텔레스에 대한 서사시 이론은 C.의 시학의 기초를 마련하고 이 예술 운동의 전형인 드라마와 서사시, 기타 문학 장르의 구성 규칙을 확립했습니다. 예술과 건축, 중세 고딕 양식에서 골동품 디자인 스타일로 전환되었으며, 이는 특히 Leon Battista Alberti의 예술 이론 작품에도 반영됩니다. 형성의 초기 기간 만. 그것은 의무 및 예술로 인정되지 않았습니다. 관행은 그것에서 크게 벗어났습니다. 문학, 드라마, 그리고 묘사에서처럼. 예술 - 와와 건축, 예술. 고대의 공적은 이념적·미학적인 정도로 활용하였다. 예술의 인물들의 열망 - 인본주의. 17세기에 K.가 논쟁의 여지가 없는 교리로 바뀌면서 무리를 따라가는 것이 의무화되었습니다. 만약 첫 단계 K.의 형성은 이탈리아에서 이루어지고 K.의 디자인은 완전한 미학으로 이루어집니다. 교리는 17세기 프랑스에서 일어났다. 사회정치적. 이 과정의 기초는 절대주의 국가에 의해 수행되는 삶의 모든 영역에 대한 규제였습니다. 리슐리외 추기경은 프랑스에 아카데미를 설립했으며(1634), 프랑스인의 순수성을 감시하는 일을 맡게 되었습니다. 언어와 문학. K.의 교리를 공식적으로 승인한 첫 번째 문서는 "The Opinion of the French Academy on the tragicomedy (P. Corneille)" Cid ""("Les sentence of the l'Acad? Mie fran? Aise sur la tragi-com? Die du Cid", 1638 ) 드라마에서 세 가지 통일성 (장소, 시간 및 행동의 통일성)의 규칙이 선포 된 곳. 문학과 연극에서 K의 승인과 동시에 그는 건축, 회화 및 조각의 영역을 정복했습니다. 프랑스에서는 K.의 규칙이 공식화되고 플라스틱으로 된 회의에서 회화 및 조각 아카데미가 만들어지고 있습니다. 주장-와. 17세기 프랑스 K.는 고전을 찾습니다. 국가에 의해서만 형성되는 것이 아니다. 지원뿐만 아니라 당시의 영적 문화 발전의 일반적인 특성 때문이기도 합니다. 주장-va K.의 내용의 결정적인 순간은 국가를 수립한다는 아이디어였습니다. 그것은 불화에 대한 균형으로 일어났다. 분리주의와 이 점에서 진보적인 원칙이었다. 그러나 이 아이디어의 진보성은 제한적이었습니다. 그것은 군주에 대한 사과로 귀결되었습니다. 독재자. 국가 원칙의 소유자는 절대 군주였으며 그의 인격은 인격이 구현되었습니다. 이상적인. 이 개념의 봉인은 K.의 전체 주장에 있으며, to-ry는 나중에 "court K."라고도 불립니다. 왕궁은 참으로 이념의 중심이었음에도 불구하고. 소송에 대한 지시에 따르면 K.는 전체적으로 귀족 귀족이 아니었다. 소송. 미학 K.는 수단입니다. 합리주의 철학의 영향을 받았다. Ch. 프랑스 대표. 17세기의 합리주의. R. 데카르트는 미학 형성에 결정적인 영향을 미쳤다. 교리 K. 윤리. K의 이상은 겉모습만 귀족적이었다. 그들의 본질은 인본주의적이었습니다. 절대주의적 진술과의 타협의 필요성을 인식하는 윤리. 그러나 K의 지지자들은 가능한 한도 내에서 귀족과 군주제의 악덕에 맞서 싸웠습니다. 사회와 도덕 의식을 키웠다. 국가의 이익을 위해 개인의 이익을 포기한 사람으로 묘사 된 왕을 포함하여 사회에 대한 모든 사람의 책임. 이것이 사회의 그 단계에서 사용할 수 있는 시민 이상의 첫 번째 형태였습니다. 부상하는 부르주아지가 여전히 절대주의 국가에 대항할 만큼 충분히 강하지 못한 발전. 반대로, 그 확장자를 사용합니다. 모순, 주로 귀족과 부르주아 민주주의의 주요 인물인 Fronde의 고의에 대한 군주국의 투쟁. 문화는 중앙 집중식 국가로서 군주제를 지원했습니다. 불화를 조절할 수 있는 시작. 억압하거나 적어도 일종의 틀에 넣습니다. 예술과 문학의 일부 유형과 장르에서 외부의 화려함이 우세했다면 다른 유형에서는 자유가 허용되었습니다. 부동산 상태의 성격에 따라 예술에도 장르의 위계가 있었는데, 장르는 상위와 하위로 나뉩니다. 낮은 것들 중에는 코미디, 풍자, 문학의 우화가 있습니다. 그러나 가장 민주적 인 아이디어가 개발 된 것은 그들에게서였습니다. 시대의 경향(Molière의 코미디, Boileau의 풍자, La Fontaine의 우화). 그러나 높은 장르의 문학(비극)에서도 모순과 진보된 도덕이 모두 영향을 받았습니다. 시대의 이상(초기 Corneille, Racine의 작품). 원칙적으로 K는 미학을 창조했다고 주장했다. 모든 것을 아우르는 통일성을 지닌 이론이지만 실제로는 예술입니다. 그 시대의 문화는 뚜렷한 모순이 특징입니다. 이들 중 가장 중요한 것은 현대 사이의 끊임없는 불일치였습니다. 콘텐츠와 안티치. 짜낸 모양입니다. 골동품에도 불구하고 고전주의 비극의 영웅. 이름은 17세기에 프랑스어였습니다. 사고, 도덕 및 심리학을 통해. 때때로 그러한 가장 무도회가 당국에 대한 공격을 덮는 데 도움이된다면 동시에 현대의 직접적인 반영을 방지했습니다. "높은 장르" 클래식의 현실. 소송. 따라서 '추한', '비열한' 이미지가 금지되지 않은 하위 장르의 특징이 가장 사실적이다. 르네상스의 다면적 리얼리즘에 비해 K.는 예술이 다루는 삶의 영역이 좁아지는 것을 나타냅니다. 문화. 그러나 미학적 이론 K.는 예술에서 전형적인 것의 중요성을 드러낸다는 점에서 가치가 있다. 사실, 전형화의 원칙은 개별 원칙을 잃는 대가를 치르고 구현을 달성했기 때문에 제한된 방식으로 이해되었습니다. 그러나 생명 현상과 인간의 본질. 등장인물은 K에서 그러한 화신을 받아 인지와 교육 모두를 실제로 가능하게 합니다. 작품의 기능. 그들의 사상적 내용은 명확하고 정확해지고 사상의 명료성은 예술 작품에 직접적인 사상을 부여한다. 캐릭터. 소송은 도덕적, 철학적, 종교적 호민관으로 변합니다. 그리고 정치. 아이디어. 봉건 위기. 군주제는 새로운 형태의 반(反)불화를 낳는다. 이데올로기 - 계몽. 이 예술의 새로운 변형이 있습니다. 방향 - 소위. 교육 K., to-ry는 모든 미학의 보존이 특징입니다. K. 17세기의 원리. 계몽주의 C.의 시학은 마침내 보일로(Boileau)에 의해 공식화되었으며(시적 논문 "시학" - "L'art po?tique", 1674) 계몽사-고전가를 위한 불가침의 규칙으로 남아 있습니다. , 볼테르가 이끄는. K. 18세기의 새로운 기능. 주로 사회정치적이다. 정위. 국가의 복지가 아니라 사회의 복지를 생각하는 이상적인 시민 영웅이 탄생합니다. 왕을 섬기는 것이 아니라 백성을 돌보는 것이 도덕과 정치의 중심이 됩니다. 열망. 볼테르의 비극, 애디슨의 카토, 어느 정도 알피에리의 비극, 그리고 러시아인. 18세기 고전주의자 (A. Sumarokov)는 불화의 원칙과 충돌하는 삶의 개념과 이상을 확인합니다. 국가와 복근. 군주국. 프랑스의 이 시민적 흐름은 최초의 부르주아지 직전과 그 기간 동안 프랑스에서 변형됩니다. K. Republican의 혁명. Franz 시대에 K.의 갱신으로 이어진 이유. 부르주아 혁명은 마르크스에 의해 깊이 드러났습니다. "로마 공화국의 고전적으로 엄격한 전통에서 부르주아 사회의 검투사들은 자신의 부르주아적 제한된 내용을 숨기기 위해 필요한 이상과 예술적 형태, 환상을 발견했습니다. 위대한 역사적 비극의 절정에서 영감을 유지하기 위한 투쟁"("루이 보나파르트의 18번째 브뤼메르", K. Marx and F. Engels, Soch., 2nd ed., vol. 8, p. 120 참조) . 최초의 부르주아의 공화정 K. 시대. 혁명은 제국 스타일을 만든 K. 나폴레옹 제국이 뒤따랐습니다. 이 모든 것은 부르주아를 은폐하는 역사적 가면극이었다. 그 당시 일어난 사회적 격변의 내용. K. 18세기 17세기의 시학에 내재된 독단주의의 특정 특징에서 벗어났습니다. 그것은 계몽주의 기간 동안, 고전인 예술에 대한 더 깊은 연구와 관련하여였습니다. 고대 플라스틱의 고대 숭배. 소송은 특히 큰 발전을 얻고 있습니다. 독일에서는 Winckelmann, 그리고 Lessing이 그 미학을 확립했습니다. 고대 기념물의 매력은 정치적인 것과 관련이 있습니다. 그리스 건축 폴리스: 오직 민주주의와 자유 시민의 심리만이 그러한 아름다운 예술을 낳을 수 있습니다. 그 때부터. 이론적 인 생각은 미학 사이의 연결에 대한 아이디어를 확인합니다. 이상적이고 정치적인 F. Schiller의 "미학 교육에 관한 편지"("ber die? sthetische Erziehung lier Menschen, in einer Reihe von Briefen", 1795)에서 가장 명확하게 표현된 자유입니다. 그러나 그에게 이 아이디어는 이상주의적으로 왜곡된 형태로 나타납니다. 시민의 자유는 미학을 통해 달성됩니다. 교육. 이 문제의 공식화는 독일의 후진성과 부르주아에 대한 전제 조건의 부족과 관련이 있습니다. 일격. 그러나 이 형태에서는 후기 독일인. 이른바 고전주의. 괴테와 쉴러의 바이마르 고전주의는 제한적이긴 하지만 진보적인 이데올로기적 예술이었다. 현상. 일반적으로 K.는 예술적 실천과 이론적 발전의 중요한 단계였습니다. 생각. 골동품 껍질은 진보된 부르주아 민주주의로 옷을 입었다. 부르주아지 상승의 이데올로기. 사회. 고전주의자들의 교리적 가르침의 족쇄 특성은 Saint-Evremond가 이에 반기를 든 17세기 말에 이미 분명했습니다. 18세기에 레싱은 도그마틱에 정확히 타격을 가했습니다. 그러나 K.의 "영혼"을 보호하면서 자유롭고 조화로운 그의 아름다운 이상 발달한 사람. 이것이 괴테와 쉴러의 바이마르 고전주의의 핵심이었다. 그러나 19세기 전반부, 부르주아지의 승리와 승인 이후. 서쪽에 있는 건물. 유럽, K.는 그 중요성을 잃어가고 있습니다. 부르주아지의 승리 이후 이성의 왕국의 도래에 대한 계몽적 환상의 붕괴. 혁명은 고전의 환상적 본질을 분명히 합니다. 부르주아의 영역에서 이상적입니다. 산문. 역사적인 K. 전복의 역할은 K의 독단에 반대하는 낭만주의의 미학에 의해 수행되었습니다. K.에 대한 투쟁은 1820년 말 프랑스에서 가장 절정에 달했습니다. 1830년, 낭만주의가 졸업을 했을 때. 예술로서의 K.에 대한 승리. 방향성과 미학. 이론. 그러나 이것이 주장에서 K의 생각이 완전히 사라진 것은 아니다. 19세기 말과 20세기 말. 미적인 움직임 Zap. 유럽에는 재발이 있습니다. 그 뿌리는 K로 거슬러 올라갑니다. 그것들은 비현실적입니다. 그리고 미학적 성격(19세기 후반 프랑스 시의 "신고전주의적" 경향) 또는 이데올로기의 가면 역할을 한다. 반응, 예. 제1차 세계 대전 이후 퇴폐적인 T. S. 엘리엇의 이론에서. 가장 안정적인 것은 미학적이었습니다. K.의 건축 이상. 권위 있는 건축 양식은 예를 들어 1930년대와 40년대 건축 건축에서 반복적으로 재현되었습니다. 소련의 건축 개발. 문학.: Marx K. and Engels F., On Art, vol.1–2, M., 1957; Plekhanov G. V., 예술과 문학, [Sat. ], 엠., 1948, p. 165–87; 크란츠 [E. ], 문학 철학 경험. 데카르트와 프랑스 고전주의, trans. [프랑스어에서. ], 상트페테르부르크, 1902년; 레싱 G. E., 함부르크 드라마투르지, M.–L., 1936; Pospelov G. N., Sumarokov 및 러시아어 문제. 고전주의, "Uch. Zap. Moscow State University", 1948, no. 128, 책. 삼; Kupreyanov E. H., 고전주의 문제, 책에서: XVIII 세기, 토. 4, M.–L., 1959; Ernst F., Der Klassizismus in Italien, Frankreich und Deutschland, Z., 1924; Peyre H., Qu'est-ce que le classicisme?, P., 1942; Kristeller P. O., 고전과 르네상스 사상, Camb., (Mass.), 1955. A. Anikst. 모스크바.
그다지 중요하지 않은 예술 스타일 중에는 고전주의가 있으며, 이는 17세기에서 19세기 초 사이에 세계의 선진국에서 널리 퍼졌습니다. 그는 계몽주의 사상의 상속자가 되었으며 거의 모든 유형의 유럽 및 러시아 예술에 등장했습니다. 특히 프랑스의 형성 단계에서 바로크와 종종 충돌했습니다.
나라마다 고전주의의 시대는 다릅니다. 우선, 그것은 17세기에 프랑스에서 발전했고, 조금 후에 영국과 네덜란드에서 발전했습니다. 독일과 러시아에서는 신고전주의 시대가 이미 다른 국가에서 시작되던 18 세기 중반에 방향이 설정되었습니다. 그러나 이것은 그다지 중요하지 않습니다. 또 다른 것이 더 중요합니다. 이 방향은 문화 분야의 첫 번째 진지한 시스템이되어 추가 발전의 토대를 마련했습니다.
이름은 "모범적인"을 의미하는 라틴어 Classicus에서 유래했습니다. 주요 원칙은 고대 전통에 호소하는 데 나타났습니다. 그들은 우리가 열망해야 할 규범으로 인식되었습니다. 작품의 저자는 형식의 단순성과 명확성, 간결함, 엄격함 및 모든 것의 조화와 같은 특성에 매료되었습니다. 이것은 문학, 음악, 회화, 건축 등 고전주의 시대에 만들어진 모든 작품에 적용됩니다. 각 제작자는 명확하고 엄격하게 정의된 모든 것을 위한 자신의 자리를 찾고자 했습니다.
모든 유형의 예술은 고전주의가 무엇인지 이해하는 데 도움이 되는 다음과 같은 특징이 특징입니다.
개별 유형의 예술에 대한 분석은 "고전주의"스타일이 각 예술에 어떻게 구현되었는지 이해하는 데 도움이됩니다.
이 예술 형식에서 고전주의는 단어로 재교육하려는 욕구가 명확하게 표현된 특별한 방향으로 정의되었습니다. 예술 작품의 작가들은 정의, 모든 시민의 자유, 평등이 만연하는 행복한 미래를 믿었습니다. 그것은 무엇보다도 종교적, 군주제를 포함한 모든 종류의 억압으로부터의 해방을 의미했습니다. 문학의 고전주의는 확실히 행동(하나의 스토리 라인 이하), 시간(모든 사건이 하루에 해당), 장소(공간에서 움직임이 없음)의 세 가지 통일성을 준수해야 했습니다. J. Moliere, Voltaire(프랑스), L. Gibbon(영국), M. Twain, D. Fonvizin, M. Lomonosov(러시아)가 이 스타일에서 더 많은 인정을 받았습니다.
새로운 예술적 방향 18세기 중반에 가까웠던 다른 나라들보다 늦게 러시아 미술에 자리를 잡았고 19세기 전반부까지 주도적인 위치를 차지했습니다. 서유럽과 달리 러시아 고전주의는 국가 전통에 더 의존했습니다. 그의 독창성이 드러난 것은 바로 이것이었다.
처음에는 건축이 최고조에 이르렀습니다. 이것은 새로운 수도의 건설과 러시아 도시의 성장 때문이었습니다. 건축가의 업적은 장엄한 궁전, 편안한 주거용 건물, 교외의 고귀한 사유지를 만드는 것입니다. 고전주의가 무엇인지 완전히 명확하게하는 도심에서 건축 앙상블을 만드는 데 특별한주의를 기울일 가치가 있습니다. 예를 들어 Tsarskoye Selo (A. Rinaldi), Alexander Nevsky Lavra (I. Starov), St. Petersburg의 Vasilyevsky Island (J. de Thomon) 침 및 기타 여러 건물이 있습니다.
건축가 활동의 절정은 A. Rinaldi 프로젝트에 따른 대리석 궁전의 건설이라고 할 수 있으며, 장식에는 자연석이 처음 사용되었습니다.
정원과 공원 예술의 예인 Petrodvorets(A. Schluter, V. Rastrelli)도 덜 유명합니다. 수많은 건물, 분수, 조각품, 레이아웃 자체 - 모든 것이 실행의 비례성과 순도면에서 눈에 띕니다.
러시아 문학에서 고전주의의 발전은 특별한주의를 기울일 가치가 있습니다. 창립자는 V. Trediakovsky, A. Kantemir, A. Sumarokov였습니다.
그러나 시인이자 과학자 M. Lomonosov는 고전주의가 무엇인지에 대한 개념의 발전에 가장 큰 공헌을 했습니다. 그는 예술 작품 쓰기의 요구 사항을 결정하는 세 가지 고요한 시스템을 개발하고 18 세기 후반의 문학에서 가장 인기있는 엄숙한 메시지의 샘플을 만들었습니다.
고전주의의 전통은 D. Fonvizin의 연극, 특히 코미디 "Undergrowth"에서 완전히 나타났습니다. 세 가지 통일성과 이성의 숭배를 의무적으로 준수하는 것 외에도 다음 사항은 러시아 코미디의 특징에 속합니다.
전체적으로 고전주의 시대의 작품은 세계 예술의 발전에서 가장 중요한 구성 요소가되었습니다.
예술 작품은 고전주의의 견지에서 엄격한 정경에 기초하여 지어져야 우주 자체의 조화와 논리가 드러납니다.
고전주의에 대한 관심은 영원하고 불변합니다. 각 현상에서 그는 본질적이고 유형 학적 특징 만 인식하고 무작위를 버립니다. 개별 표지판. 고전주의의 미학은 예술의 사회적, 교육적 기능에 큰 중요성을 부여합니다. 고전주의는 고대 예술(아리스토텔레스, 호레이스)에서 많은 규칙과 규범을 취합니다.
| 도미넌트하고 트렌디한 컬러 | 포화 색상; 녹색, 분홍색, 금색 악센트가 있는 마젠타색, 하늘색 |
| 고전주의 스타일 라인 | 수직 및 수평선을 엄격하게 반복합니다. 둥근 메달의 부조; 부드러운 일반화 그리기; 대칭 |
| 양식 | 형태의 선명도와 기하학; 지붕의 동상, 원형 홀; 제국 스타일을 위해 - 표현력이 풍부한 호화로운 기념비적 형태 |
| 인테리어의 특징적인 요소 | 신중한 장식; 원형 및 늑골이 있는 기둥, 벽기둥, 조각상, 골동품 장식, 둥근 천장; 제국 스타일의 경우 군사 장식(엠블럼); 권력의 상징 |
| 건설 | 거대하고 안정적이며 기념비적이며 직사각형, 아치형 |
| 창문 | 직사각형, 위쪽으로 길쭉한 모양, 적당한 디자인 |
| 클래식 스타일 도어 | 직사각형, 패널; 둥글고 늑골이 있는 기둥에 거대한 박공 포털이 있습니다. 사자, 스핑크스, 동상과 함께 |
건축의 고전주의 경향 : Palladian, Empire, Neo-Greek, "Regency style".
고전주의 건축의 주요 특징은 조화, 단순성, 엄격함, 논리적 명확성 및 기념비의 표준으로서 고대 건축 양식에 대한 호소력이었습니다. 전체적으로 고전주의의 건축은 계획의 규칙성과 체적 형태의 명확성이 특징입니다. 고전주의의 건축 언어의 기초는 고대에 가까운 비율과 형태의 질서였습니다. 고전주의는 대칭적인 축 구성, 장식 장식의 억제 및 규칙적인 도시 계획 시스템이 특징입니다.
1755년 요한 요아킴 빙켈만(Johann Joachim Winckelmann)은 드레스덴에서 다음과 같이 썼습니다. 이상으로 인식되는 고대의 아름다움을 활용하여 현대 미술을 새롭게 하려는 이러한 요구는 유럽 사회에서 적극적인 지지를 받았습니다. 진보적 대중은 고전주의에서 궁정 바로크에 대한 필연적인 반대를 보았다. 그러나 계몽된 봉건 영주는 고대 형태의 모방을 거부하지 않았습니다. 고전주의의 시대는 부르주아 혁명의 시대와 시간적으로 일치합니다. 1688년에는 영어, 101년 후에는 프랑스어입니다.
고전주의의 건축 언어는 르네상스 말기에 위대한 베네치아의 거장 Palladio와 그의 추종자 Scamozzi에 의해 공식화되었습니다.
베네치아인들은 고대 사원 건축의 원리를 절대화하여 빌라 카프라(Villa Capra)와 같은 개인 저택 건설에도 적용했습니다. 이니고 존스(Inigo Jones)는 18세기 중반까지 지역 팔라디오 건축가들이 다양한 정도의 충실도로 팔라디오의 교훈을 따랐던 영국 북부에 팔라디아주의를 도입했습니다.
그때까지 후기 바로크와 로코코의 "휘핑 크림"이 유럽 대륙의 지식인들 사이에 축적되기 시작했습니다.
로마 건축가 베르니니(Bernini)와 보로미니(Borromini)에 의해 태어난 바로크 양식은 실내 장식과 예술 및 공예품에 중점을 둔 주로 실내 양식인 로코코로 가늘어졌습니다. 주요 도시 문제를 해결하기 위해 이 미학은 거의 쓸모가 없었습니다. 이미 루이 15세(1715-74) 하에서 콩코드 광장(건축가 자크 앙주 가브리엘)과 생 쉴피스 교회와 같은 "고대 로마" 스타일의 도시 계획 앙상블이 파리에 건설되고 있었고 루이 XVI (1774-92) 유사한 "고귀한 간결함"이 이미 주요 건축 경향이되고 있습니다.
처음에는 로마의 영향을 받은 로코코 양식에서 1791년 베를린에 브란덴부르크 문 건설이 완료된 후 그리스어 형태. 나폴레옹에 대한 해방 전쟁 이후, 이 "헬레니즘"은 K.F. Schinkele 및 L. von Klenze. 정면, 기둥 및 삼각형 페디먼트가 건축 알파벳이 되었습니다.
고대 예술의 고귀한 단순함과 고요한 웅장함을 현대 건축으로 번역하려는 열망은 고대 건물을 완전히 모방하려는 열망으로 이어졌습니다. F. Gilly가 바이에른의 루트비히 1세의 명령에 따라 프리드리히 2세 기념비 프로젝트로 남긴 것은 레겐스부르크의 다뉴브 강 비탈에서 수행되었으며 발할라(Walhalla "죽은 자의 전당")라고 불렸습니다.
고전주의 스타일에서 가장 중요한 인테리어는 1758년 로마에서 고국으로 돌아온 스코틀랜드인 로버트 아담(Robert Adam)이 디자인했습니다. 그는 이탈리아 과학자들의 고고학 연구와 Piranesi의 건축적 환상에 깊은 인상을 받았습니다. 아담의 해석에서 고전주의는 로코코에 못지않게 세련된 인테리어의 스타일로 민주주의 사회는 물론 귀족들 사이에서도 인기를 얻었다. 그의 프랑스 동료들처럼 Adam은 건설적인 기능이 없는 세부 사항에 대한 완전한 거부를 설교했습니다.
프랑스인 Jacques-Germain Soufflot은 파리에 Saint-Genevieve 교회를 건설하는 동안 광대한 도시 공간을 조직하는 고전주의의 능력을 보여주었습니다. 그의 디자인의 거대한 웅장함은 나폴레옹 제국의 과대망상과 후기 고전주의를 예고했습니다. 러시아에서는 Bazhenov가 Soufflet와 같은 방향으로 움직였습니다. 프랑스인 Claude-Nicolas Ledoux와 Etienne-Louis Boulet는 형태의 추상적인 기하학에 중점을 둔 급진적인 공상적 스타일의 발전을 향해 나아가고 있습니다. 혁명적 프랑스에서 그들의 프로젝트의 금욕적인 시민적 파토스는 거의 소용이 없었습니다. Ledoux의 혁신은 20세기의 모더니스트들에 의해서만 완전히 인정되었습니다.
나폴레옹 프랑스의 건축가들은 셉티미우스 세베루스의 개선문과 트라야누스 기둥과 같은 제국 로마가 남긴 군사적 영광의 장엄한 이미지에서 영감을 얻었습니다. 나폴레옹의 명령에 따라 이 이미지들은 Carruzel의 개선문과 Vendôme Column의 형태로 파리로 옮겨졌습니다. 나폴레옹 전쟁 시대의 군사적 위대함의 기념물과 관련하여 "제국 스타일"이라는 용어가 사용됩니다 - 제국 스타일. 러시아에서는 Karl Rossi, Andrey Voronikhin 및 Andrey Zakharov가 제국 스타일의 뛰어난 대가임을 보여주었습니다.
영국에서 제국은 소위에 해당합니다. "리젠시 스타일"(가장 큰 대표자는 John Nash입니다).
고전주의의 미학은 대규모 도시 개발 프로젝트를 선호했고 전체 도시 규모의 도시 개발을 질서있게 이끌었습니다.
러시아에서는 거의 모든 지방 및 많은 카운티 타운이 고전적인 합리주의의 원칙에 따라 재계획되었습니다. 정통 고전주의 박물관으로 열린 하늘상트페테르부르크, 헬싱키, 바르샤바, 더블린, 에든버러 및 기타 여러 도시와 같은 도시가 바뀌었습니다. 미누신스크에서 필라델피아에 이르기까지 팔라디오로 거슬러 올라가는 단일 건축 언어가 지배적이었습니다. 일반 건물은 표준 프로젝트의 앨범에 따라 수행되었습니다.
나폴레옹 전쟁 이후에 고전주의는 낭만적으로 물들인 절충주의, 특히 중세와 건축적 신고딕 양식에 대한 관심의 귀환과 조화를 이루어야 했습니다. Champollion의 발견과 관련하여 이집트 모티브가 인기를 얻고 있습니다. 고대 로마 건축에 대한 관심은 특히 독일과 미국에서 두드러진 고대 그리스("신 그리스")의 모든 것에 대한 존경으로 대체되었습니다. 독일 건축가 레오 폰 클렌체(Leo von Klenze)와 칼 프리드리히 쉰켈(Karl Friedrich Schinkel)이 각각 뮌헨과 베를린을 파르테논 신전 정신으로 웅장한 박물관과 기타 공공 건물로 건설하고 있습니다.
프랑스에서는 고전주의의 순도가 르네상스와 바로크의 건축 레퍼토리에서 무료로 차용되어 희석됩니다(Beaus-Arts 참조).
고전주의 스타일의 건축 중심지는 호화로운 궁전이었습니다. 거주지, Karlsruhe의 Marktplatz(무역 광장), 뮌헨의 Maximilianstadt 및 Ludwigstrasse, 다름슈타트의 건축이 특히 유명해졌습니다. 베를린과 포츠담의 프로이센 왕들은 주로 고전 양식으로 건축되었습니다.
그러나 궁전은 더 이상 건설의 주요 대상이 아니었습니다. 별장과 시골집은 더 이상 그들과 구별 될 수 없었습니다. 공공 건물은 극장, 박물관, 대학 및 도서관과 같은 국가 건물 영역에 포함되었습니다. 병원, 시각 장애인 및 청각 장애인을 위한 주택, 감옥 및 막사 등 사회 건물이 추가되었습니다. 그림은 귀족과 부르주아지의 시골 영지, 도시와 마을의 시청 및 주거용 건물로 보완되었습니다.
교회 건물은 더 이상 주요 역할을 하지 않았지만 이교도 건축 양식이 기독교 수도원에 적합한지 여부에 대한 토론이 있었지만 Karlsruhe, Darmstadt 및 Potsdam에서 놀라운 구조가 만들어졌습니다.
XIX 세기에 수세기 동안 살아남은 위대한 역사적 스타일이 붕괴 된 후. 건축 개발 과정의 명백한 가속이 있습니다. 이것은 지난 세기를 이전의 모든 천년 발전과 비교할 때 특히 분명해집니다. 초기 중세 건축과 고딕이 약 5세기, 르네상스와 바로크를 합치면 이미 이 기간의 절반에 불과하므로 고전주의가 유럽을 정복하고 바다를 건너는 데 1세기도 채 걸리지 않았습니다.
건축에 대한 관점의 변화, 건설 기술의 발달, 19세기 새로운 유형의 건축물의 출현. 건축의 세계 발전의 중심에도 중요한 변화가 있었습니다. 전경에는 바로크 발전의 가장 높은 단계에서 살아남지 못한 국가들이 있습니다. 고전주의는 프랑스, 독일, 영국, 러시아에서 절정에 달합니다.
고전주의는 철학적 합리주의의 표현이었다. 고전주의의 개념은 건축에서 고대의 조형 시스템을 사용하는 것이지만 새로운 내용으로 채워졌습니다. 단순한 고대 형태의 미학과 엄격한 질서는 세계관의 건축 및 예술적 표현의 무작위성, 비 엄격성에 반대됩니다.
고전주의는 고고학 연구를 자극하여 선진 고대 문명에 대한 발견으로 이어졌습니다. 광범위한 과학적 연구로 요약된 고고학 탐사 작업의 결과는 운동의 이론적 토대를 마련했으며, 참가자들은 고대 문화를 건축 기술의 완벽함의 절정, 절대적이고 영원한 아름다움의 모델로 간주했습니다. 건축 기념물의 이미지를 포함하는 수많은 앨범은 고대 형태의 대중화에 기여했습니다.
대부분의 경우 아키텍처의 특성은 내력 벽과 더 평평해진 볼트의 구조에 따라 달라졌습니다. 현관은 중요한 플라스틱 요소가 되며 벽은 작은 벽기둥과 처마 장식으로 외부와 내부를 구분합니다. 전체와 세부 사항, 볼륨 및 계획의 구성에서 대칭이 우선합니다.
색 구성표는 밝은 파스텔 톤이 특징입니다. 흰색은 일반적으로 활동적인 구조론의 상징인 건축 요소를 드러내는 역할을 합니다. 인테리어는 더 가볍고 억제되며 가구는 단순하고 가벼우며 디자이너는 이집트, 그리스 또는 로마 모티브를 사용했습니다.
18세기 말과 19세기 전반기에 가장 중요한 도시 계획 개념과 자연에서의 구현은 고전주의와 관련이 있습니다. 이 기간 동안 새로운 도시, 공원, 리조트가 건설됩니다.
유럽 17-19세기. 이 기간은 문학, 회화, 조각, 음악 및 건축과 같은 예술 발전에 상당한 기여를 한 많은 재능있는 작가들을 세상에 보여주었습니다. 프랑스에서 처음으로 고전주의 경향이 나타났습니다. 상대그리고 당시의 이상형.
고전주의의 특징
이 추세의 주요 특징은 고대에서 비롯됩니다. 작가의 생각은 예술적으로 지시되었으며 시각적 수단의 단순성, 균형 및 진술의 논리뿐만 아니라 명확하고 전체론적인 표현을 지향했습니다. 그러므로 우리는 고전주의 시대 인물의 사상이 합리적으로 이상화되었다고 말할 수 있다.
고전주의가 고(古)와 관련이 있다는 사실을 논하자면, 그 유사성은 형식에 있지만, 고전미술에서 받아들여지는 기준에 맞지 않는다는 점에 주목하는 것이 중요하다. 우선, 고대의 가치에 대한 존중과 그것이 무의미한 경우에도 표시하는 능력.
특징고전주의 - 아름다움에 대한 존재론적 이해. 여기에서는 시간을 초월하여 영원하며 조화의 법칙에 많은 관심을 기울입니다.
심리학적으로 고전주의는 과도기적이고 많은 새로운 것을 수반하는 어려운 역사적시기에 사람이 변하지 않는 것으로, 예를 들어 과거로 향하는 경향이 있다는 사실로 설명됩니다. 이 점에서 그는 지지를 찾습니다. 고대 그리스인은 사고 방식에서 합리주의의 한 예이며, 인류에게 공간과 시간, 그리고 삶의 다른 많은 현상에 대한 완전한 아이디어를 제공했으며 단순하고 접근 가능한 형태로 수행했습니다. 복잡하고 화려한 생각과 같은 디자인은 급변하는 세상에서 인류가 필요로 하는 명료함과 구체성을 의미하지 않는다. 따라서 고대는 고전주의 형성에 중요한 역할을 했습니다.
고전주의의 아이디어는 낭만적이어서 많은 사람들이 분리할 수 없다는 의견을 가지고 있습니다. 그러나 그들은 중요한 차이점이 있습니다. 낭만주의는 고전주의보다 이상과 그것을 표시하는 방식에서 현실과 더 분리되어 있습니다.
고전주의란 무엇인가? V. Tatarkevich는 이론가 L. B. Alberti가 원래 언급한 몇 가지 원칙의 도움으로 이것을 설명하려고 했습니다.
회화에서 고전주의란 무엇인가
예술적 창의성의 이러한 경향의 주요 특징은 작업에 대한 예술가의 태도에서 나타납니다. 그림을 통해 표현되는 그의 감정도 논리의 대상입니다.
의 사이에 저명한 대표자신화적인 주제로 그림을 그린 N. Prussen의 작품을 꼽을 수 있습니다. 특별한 주의그들은 정확한 기하학적 구성과 색상의 사려 깊은 조합에 매료됩니다. C. Lorrain도 마찬가지입니다. 그의 그림의 주제는 N. Prussen의 작품(도시 환경의 풍경)과 다르지만 실행의 합리주의도 유지됩니다. 그는 석양의 빛의 도움으로 그것들을 조화시켰습니다.
조각과 건축의 고전주의란 무엇인가
고전주의에서 골동품 작품이 모델로 작용했기 때문에 조각할 때 저자는 모순에 직면했습니다. 고대 그리스모델은 알몸으로 묘사되었지만 이제는 부도덕했습니다. 예술가들은 교활한 방법으로 상황에서 벗어났습니다. 그들은 고대 신의 형태로 실제 사람들을 묘사했습니다. 나폴레옹 시대에 조각가들은 토가를 입은 모델을 만들기 시작했습니다.
러시아의 고전주의는 훨씬 나중에 시작되었지만 그럼에도 불구하고 Boris Orlovsky, Fedot Shubin, Ivan Martos, Mikhail Kozlovsky와 같은 그의 아이디어에 따라 일한 재능있는 작가가이 나라에 나타나는 것을 막지는 못했습니다.
건축에서 그들은 또한 고대에 내재된 형태를 재창조하려고 했습니다. 단순성, 엄격함, 기념비 및 논리적 명확성이 주요 특징입니다.
문학에서 고전주의란 무엇인가
고전주의의 주요 업적은 계층적 그룹으로 나뉘었다는 것입니다.
문학에서는 작품의 장르적 특징을 준수하기 위해 엄격한 요구 사항이 제시되었습니다.
1. 소개.예술적 방법으로서의 고전주의...................................2
2. 고전주의의 미학.
2.1. 고전주의의 기본 원리 ...........................................................................................5
2.2. 세계의 그림, 고전주의의 예술에서 인격의 개념 ...........5
2.3. 고전주의의 미학적 본성 .................................................................................. ...........................9
2.4. 회화의 고전주의 .................................................................. ........................................... 열다섯
2.5. 조각의 고전주의 .................................................................. ...........................................................16
2.6. 건축의 고전주의 ........................................................... ........................................... 열여덟
2.7. 문학의 고전주의 ........................................................... ........................................................... 스물
2.8. 음악의 고전주의 .................................................................................. ...........................................................22
2.9. 극장의 고전주의 ........................................................... ...........................................................22
2.10. 러시아 고전주의의 독창성 ........................................................... ........... ..................22
3. 결론……………………………………...…………………………...26
서지..............................…….………………………………….28
애플리케이션 ........................................................................................................29
1. 예술적 방법으로서의 고전주의
고전주의는 예술사에 실제로 존재했던 예술적 방법 중 하나입니다. 때로는 "방향"과 "스타일"이라는 용어로 표시됩니다. 고전주의(fr. 고전주의, 위도에서. 클래식- 모범적 인) - 17-19 세기 유럽 예술의 예술적 스타일과 미적 경향.
고전주의는 데카르트 철학에서 동일한 사상과 동시에 형성된 합리주의 사상에 기초한다. 예술 작품은 고전주의의 견지에서 엄격한 정경에 기초하여 지어져야 우주 자체의 조화와 논리가 드러납니다. 고전주의에 대한 관심은 영원하고 변하지 않습니다. 각 현상에서 그는 임의의 개별 기호를 버리고 본질적이고 유형 학적 특징 만 인식하려고합니다. 고전주의의 미학은 예술의 사회적, 교육적 기능에 큰 중요성을 부여합니다. 고전주의는 고대 예술(아리스토텔레스, 호레이스)에서 많은 규칙과 규범을 취합니다.
고전주의는 장르의 엄격한 계층 구조를 확립하며, 장르는 높음(송가, 비극, 서사시)과 낮음(코미디, 풍자, 우화)으로 나뉩니다. 각 장르에는 엄격하게 정의된 기능이 있으며 혼합은 허용되지 않습니다.
창조적 방법으로서의 고전주의의 개념은 역사적으로 조건화된 미적 인식과 예술적 이미지의 현실 모델링 방식을 의미합니다. 언어 예술의 본질, 현실과의 관계, 자체 내부 법칙에 대한 아이디어로 구현됩니다.
고전주의는 특정 역사적, 문화적 조건에서 발생하고 형성됩니다. 가장 일반적인 연구 신념은 고전주의를 봉건적 분열에서 단일 국가 영토 국가로의 전환의 역사적 조건과 연결하며, 그 형성에서 절대 군주제가 중앙 집중화 역할을 합니다.
고전주의는 다른 민족 문화가 고전적인 단계를 거치는 사실에도 불구하고 모든 민족 문화의 발전에서 유기적 인 단계입니다. 다른 시간, 중앙 집중식 국가의 일반적인 사회 모델 형성의 국가 버전의 개성으로 인해.
다른 유럽 문화에서 고전주의의 존재에 대한 연대기적 틀은 초기 고전주의 경향이 르네상스 말기에 만져질 수 있다는 사실에도 불구하고 17세기 후반 - 18세기의 처음 30년으로 정의됩니다. 16~17세기. 이러한 연대기적 한계 내에서 프랑스 고전주의는 이 방법의 표준 구현으로 간주됩니다. 17세기 후반 프랑스 절대주의의 꽃피는 것과 밀접하게 연관되어 유럽 문화에 코르네유, 라신, 몰리에르, 라퐁텐, 볼테르 등의 위대한 작가들뿐 아니라 위대한 고전 예술 이론가인 니콜라 보일로-데프레오에게도 영향을 미쳤다. . 일생 동안 풍자로 명성을 얻은 실천 작가인 Boileau는 주로 고전주의의 미학적 코드를 만든 것으로 유명했습니다. 동시대 사람들의 문학적 실천에서 파생되었습니다. 따라서 프랑스의 고전주의는 방법의 가장 자의식적인 구현이되었습니다. 따라서 참조 값입니다.
고전주의 출현의 역사적 전제 조건은 독재 국가를 수립하는 과정에서 개인과 사회 사이의 관계가 악화되는 시대와 방법의 미학적 문제를 연결하며, 이는 봉건제의 사회적 허용을 대체하고 규제를 추구합니다. 법을 제정하고 공적 영역을 명확하게 기술하고 은둔그리고 개인과 국가의 관계. 이것은 예술의 내용적 측면을 정의합니다. 그 주요 원칙은 시대의 철학적 견해 시스템에 의해 동기가 부여됩니다. 그것들은 세계의 그림과 성격의 개념을 형성하며 이미 이러한 범주는 문학적 창의성의 예술적 기술의 전체로 구현됩니다.
17세기 후반~18세기 후반의 모든 철학적 흐름에 존재하는 가장 일반적인 철학적 개념. 그리고 고전주의의 미학과 시학과 직접적으로 관련되어 있습니다. 이것은 이 시대의 이상주의적 및 유물론적 철학적 가르침 모두와 관련된 "합리주의"와 "형이상학"의 개념입니다. 합리주의의 철학적 교리의 창시자는 프랑스의 수학자이자 철학자인 르네 데카르트(1596-1650)입니다. 그의 교리의 기본 테제는 "나는 생각한다, 고로 나는 존재한다"는 일반적인 이름 "데카르트주의"(데카르트 - 데카르트라는 이름의 라틴어 버전에서 유래)로 통일된 당시의 많은 철학적 흐름에서 실현되었습니다. 이것은 관념에서 물질적 존재를 도출하기 때문에 관념론적 논제이다. 그러나 이성을 사람의 일차적이고 최고의 영적 능력으로 해석하는 합리주의는 예를 들어 Bacon-Locke의 영국 철학 학파의 형이상학적 유물론과 같은 시대의 유물론적 철학적 흐름의 동등하게 특징적입니다. 경험을 지식의 원천으로 인식했지만 그것을 정신의 일반화 및 분석 활동 아래에 두며, 경험을 통해 얻은 수많은 사실로부터 가장 높은 관념을 추출하고, 혼돈으로부터 우주 - 가장 높은 현실 -을 모델링하는 수단 개별 물질 개체의.
이상주의와 유물론의 두 가지 종류의 합리주의에 "형이상학"이라는 개념이 동등하게 적용됩니다. 유전학적으로 그것은 아리스토텔레스까지 거슬러 올라가며 그의 철학적 교리에서는 감각으로 접근할 수 없는 것을 탐구하고 존재하는 모든 것의 가장 높고 불변하는 원리에 의해 합리적으로 사변적으로만 이해되는 지식의 한 분야를 나타냅니다. 데카르트와 베이컨 모두 이 용어를 아리스토텔레스적 의미로 사용했습니다. 현대에 와서 "형이상학"이라는 개념은 추가적인 의미를 갖게 되었고, 현상과 대상을 상호 연결과 발전 없이 지각하는 반변증법적 사고 방식을 나타내게 되었습니다. 역사적으로 이것은 17-18세기의 분석적 시대, 과학적 지식과 예술이 분화된 시대의 사고의 특성을 매우 정확하게 특징짓는다. 과학의 각 분야는 혼합 복합체에서 눈에 띄며 고유한 별도의 주제를 획득했으며, 그러나 동시에 다른 지식 분야와의 연결을 잃었습니다.
2. 고전주의의 미학
2.1. 고전주의의 기본 원리
1. 이성의 숭배 2. 시민의무 숭배 3. 중세 주제에 대한 호소 4. 역사적 국가 정체성에서 일상 생활의 이미지 추상화 5. 골동품 샘플의 모방 6. 작품의 구성적 조화, 대칭, 통일성 of art 7. 영웅은 외부 개발에서 주어진 한 가지 주요 기능의 운반자입니다. 8. 예술 작품을 만드는 주요 기술로서의 대립
2.2. 세계관, 성격 개념
고전주의 예술에서
합리주의적 의식이 만들어낸 세계관은 현실을 경험적 차원과 이념적 차원으로 명확히 구분한다. 외부, 가시 및 유형의 물질 경험적 세계는 어떤 식 으로든 서로 연결되지 않은 많은 별도의 물질 대상과 현상으로 구성됩니다. 이것은 개별 개인 개체의 혼돈입니다. 그러나이 혼란스러운 개별 대상 위에 이상적인 hypostasis가 존재합니다. 조화롭고 조화로운 전체, 우주의 보편적 인 아이디어는 가장 높은 곳에서 모든 물질적 대상의 이상적인 이미지를 포함하고 세부 사항에서 정제되고 영원하고 불변합니다. 형식: 그것은 창조주의 본래 의도에 따라야 하는 방식으로. 이 일반적인 관념은 사물이나 현상을 특정한 형태와 모양에서 점차적으로 제거하고 그 이상적 본질과 목적을 꿰뚫어봄으로써 합리적-분석적 방법으로만 이해될 수 있다.
그리고 관념은 창조에 선행하고 존재의 불가결한 조건과 근원은 사유이기 때문에 이 이상적 실재는 가장 우선적인 성격을 갖는다. 이러한 두 가지 수준의 현실 그림의 주요 패턴이 봉건적 분열에서 독재 국가로의 이행 기간의 주요 사회학적 문제, 즉 개인과 국가 간의 관계 문제에 매우 쉽게 투영되어 있음을 쉽게 알 수 있습니다. . 인민세계는 개인 개인의 세계이며, 혼돈하고 무질서하며, 국가는 혼돈으로부터 화합하고 화목한 이상세계질서를 창조하는 종합조화사상이다. XVII-XVIII 세기의 세계에 대한 철학적 그림입니다. 성격의 개념과 갈등의 유형, 유럽 문학의 고전주의에 대한 보편적 인 특징 (필요한 역사적 문화적 변화와 함께)과 같은 고전주의 미학의 실질적인 측면을 결정했습니다.
외부 세계와의 인간 관계 분야에서 고전주의는 두 가지 유형의 연결과 위치, 즉 세계의 철학적 그림을 구성하는 동일한 두 가지 수준을 봅니다. 첫 번째 수준은 물질 세계의 모든 대상과 함께 서 있는 생물학적 존재인 소위 "자연인"입니다. 이것은 이기적인 열정에 사로잡힌 사적 존재이며, 무질서하고 개인적인 존재를 보장하려는 욕망이 제한되지 않습니다. 세상과의 인간 관계의이 수준에서 사람의 영적 이미지를 결정하는 주요 범주는 열정입니다. 맹목적이고 개인의 이익을 달성한다는 이름으로 실현하려는 열망이 억제되지 않습니다.
성격 개념의 두 번째 수준은 소위 "사회적 사람"으로, 자신의 선이 공동선의 불가분의 일부임을 의식하면서 가장 높고 이상적인 이미지로 사회에 조화롭게 포함됩니다. "공공인"은 열정이 아니라 이성에 의해 세계관과 행동을 인도하고 인간 공동체의 조건에서 긍정적 인 자기 결정의 기회를 제공하는 사람의 최고의 영적 능력이기 때문에 이성에 의해 인도됩니다. 일관된 공동체 생활의 윤리적 규범에 근거합니다. 따라서 고전주의의 이데올로기에서 인간 성격의 개념은 복잡하고 모순되는 것으로 판명되었습니다. 자연 (열정적)이고 사회적 (합리적인) 사람은 내부 모순과 선택 상황에서 찢어진 하나의 동일한 성격입니다. .
따라서 - 그러한 성격 개념에서 직접 이어지는 고전주의 예술의 유형 학적 갈등. 갈등 상황의 원인이 바로 그 사람의 성격이라는 것은 아주 명백합니다. 성격은 고전주의의 핵심 미학적 범주 중 하나이며, 그 해석은 현대 의식과 문학 비평이 "인물"이라는 용어에 부여하는 의미와 크게 다릅니다. 고전주의의 미학에 대한 이해에서 성격은 정확히 사람의 이상적인 hypostasis입니다. 즉, 특정 인간 성격의 개별 창고가 아니라 본질적으로 시대를 초월한 인간 본성과 심리학에 대한 보편적인 관점입니다. 영원하고 불변하며 보편적인 인간 속성의 이러한 형태에서만 성격은 가장 높고 이상적인 현실 수준과 모호하지 않게 관련된 고전 예술의 대상이 될 수 있습니다.
성격의 주요 구성 요소는 열정입니다: 사랑, 위선, 용기, 인색, 의무감, 시기, 애국심 등. 성격이 결정되는 것은 "사랑에", "인색한", "부러워하는", "애국자"와 같은 한 열정의 우세에 의해 결정됩니다. 이러한 모든 정의는 고전적 미의식을 이해하는 데 있어 정확히 "문자"입니다.
그러나 이러한 열정은 XVII-XVIII 세기의 철학적 개념에 따르면 서로 동등하지 않습니다. 모든 열정은 평등합니다. 왜냐하면 그것들은 모두 인간의 본성에서 나온 것이기 때문에 모두 자연적이며 어떤 열정이 사람의 윤리적 존엄성과 일치하고 어느 것이 일치하지 않는지를 결정하는 것은 불가능합니다. 이러한 결정은 마음에 의해서만 이루어집니다. 모든 열정이 정서적 영적 삶의 동일한 범주이지만, 그 중 일부(예: 사랑, 탐욕, 시기, 위선 등)는 이성의 명령에 동의하기가 점점 더 어려워지고 이기적 선의 개념과 더 관련이 있습니다. . 다른 사람들(용기, 의무감, 명예, 애국심)은 합리적 통제를 더 많이 받으며 사회적 유대의 윤리인 공동선의 생각과 모순되지 않습니다.
그래서 합리적이고 불합리한 열정, 이타적이고 이기적인, 개인과 공공의 열정이 충돌하는 것으로 밝혀졌습니다. 그리고 이성은 사람의 최고의 영적 능력이며 열정을 통제하고 선과 악, 진실과 거짓을 구별할 수 있는 논리적이고 분석적인 도구입니다. 가장 흔한 유형의 고전적 갈등은 개인적인 성향(사랑)과 사회와 국가에 대한 의무감 사이의 갈등 상황이며, 이는 어떤 이유로 사랑의 열정을 실현할 가능성을 배제합니다. 구현의 필요 조건은 개인과 사회의 이익이 충돌하는 상황이지만 본질적으로 이것이 심리적 갈등이라는 것은 분명합니다. 이 시대의 미학적 사고의 가장 중요한 이데올로기적 측면은 예술적 창의성의 법칙에 대한 아이디어 체계에서 표현되었습니다.
2.3. 고전주의의 미학적 본성
고전주의의 미학적 원리는 존재하는 동안 상당한 변화를 겪었습니다. 이 경향의 특징은 고대 숭배입니다. 고대 그리스와 고대 로마의 예술은 고전주의자들에 의해 예술적 창의성의 이상적인 모델로 간주되었습니다. 아리스토텔레스의 '시학'과 호라티우스의 '시술'은 고전주의의 미학적 원리 형성에 지대한 영향을 미쳤다. 여기에는 숭고하고 영웅적이고 이상적이며 합리적으로 명확하고 조형적으로 완성된 이미지를 만드는 경향이 있습니다. 일반적으로 고전주의의 예술에서 현대의 정치, 도덕 및 미적 이상은 고대 역사의 무기고, 신화 또는 고대 예술에서 직접 빌린 인물, 갈등, 상황으로 구현됩니다.
고전주의 지향 시인, 예술가, 작곡가의 미학은 명확성, 논리, 엄격한 균형 및 조화로 구별되는 예술 작품을 창조합니다. 고전 주의자에 따르면이 모든 것이 고대 예술 문화에 완전히 반영되었습니다. 그들에게 이성과 고대는 동의어입니다. 고전주의 미학의 합리주의적 본성은 이미지의 추상적 유형화, 장르와 형식의 엄격한 규제, 고대 예술 유산의 해석, 감정이 아닌 이성에 대한 예술의 호소, 욕망에서 그 자체로 나타났습니다. 창조적 인 과정을 흔들리지 않는 규범, 규칙 및 규범 (규범 - 위도 규범에서 - 지침 원칙, 규칙, 패턴, 일반적으로 받아 들여지는 규칙, 행동 또는 행동 패턴)에 종속시킵니다.
이탈리아에서와 마찬가지로 르네상스의 미학적 원리는 17세기 프랑스에서도 가장 전형적인 표현을 발견했습니다. - 고전주의의 미학적 원리. 17세기까지 이탈리아의 예술 문화는 이전의 영향력을 크게 잃었습니다. 그러나 프랑스 미술의 혁신적 정신은 분명히 드러났습니다. 이때 프랑스에서는 사회와 중앙집권화된 권력을 통합한 절대주의 국가가 형성되었다.
절대주의의 강화는 경제에서 영적 생활에 이르기까지 삶의 모든 영역에서 보편적 규제 원칙의 승리를 의미했습니다. 부채는 인간 행동의 주요 규제자입니다. 국가는 이러한 의무를 구현하고 개인으로부터 소외된 일종의 실체로 작용한다. 국가에 대한 복종, 공적 의무의 이행은 개인의 최고의 덕목입니다. 사람은 더 이상 전형적인 르네상스 세계관처럼 자유로운 존재가 아니라 자신이 통제할 수 없는 힘에 의해 제한되는 낯선 규범과 규칙에 종속된 것으로 간주됩니다. 규제하고 제한하는 힘은 개인이 자신의 명령과 처방에 따라 순종하고 행동해야 하는 비인격적인 마음의 형태로 나타납니다.
생산의 높은 증가는 수학, 천문학, 물리학과 같은 정확한 과학의 발전에 기여했으며 이는 차례로 합리주의의 승리로 이어졌습니다 (라틴어 비율 - 마음) - 마음을 기초로 인식하는 철학적 방향 인간의 지식과 행동.
창의성과 구조의 법칙에 대한 아이디어 삽화시대적 세계관의 세계관, 세계관, 인격의 개념으로 인해 같은 정도로. 인간의 최고의 영적 능력인 이성은 지식의 도구일 뿐만 아니라 창조의 기관이자 미적 쾌락의 원천으로 생각됩니다. Boileau의 Poetic Art의 가장 두드러진 주제 중 하나는 미적 활동의 합리적 본성입니다.
프랑스 고전주의는 사람의 인격을 존재의 가장 높은 가치로 확인하여 종교와 교회의 영향으로부터 그를 해방시켰습니다.
고대 그리스와 로마의 예술에 대한 관심은 중세 시대의 수세기 후에 고대의 형태, 모티프 및 플롯으로 변한 르네상스 초기에 나타났습니다. 15세기 르네상스의 가장 위대한 이론가 레온 바티스타 알베르티. 그는 고전주의의 특정 원칙을 예시하고 라파엘의 프레스코 "아테네 학당"(1511)에서 완전히 드러난 아이디어를 표현했습니다.
위대한 르네상스 예술가, 특히 라파엘로와 그의 제자 Giulio Romano가 이끄는 피렌체 예술가의 업적의 체계화 및 통합은 16 세기 후반 볼로냐 학교의 프로그램을 구성했으며 가장 특징적인 대표자는 Carracci 형제였습니다. . 영향력 있는 예술 아카데미에서 볼로냐는 예술의 정점에 이르는 길이 라파엘로와 미켈란젤로의 유산에 대한 세심한 연구와 선과 구성의 숙달을 모방하는 것이라고 설교했습니다.
아리스토텔레스를 따라 고전주의는 예술을 자연의 모방으로 간주했습니다.
그러나 자연은 결코 감각에 나타나는 물리적, 도덕적 세계의 시각적 그림으로 이해되지 않고, 정확히 세계와 인간의 가장 지성적인 본질로 이해되었습니다. -역사적이거나 현대적인 플롯이지만 보편적 인 인간 갈등 상황, 주어진 풍경이 아니라 이상적으로 아름다운 통일체로 자연 현실의 조화로운 조합에 대한 아이디어. 고전주의는 고대 문학에서 이상적으로 아름다운 통일성을 발견했습니다. 고전주의는 이미 미적 활동의 정점에 도달했으며 영원하고 불변하는 예술 표준으로 인식되었으며 장르 모델에서 가장 이상적인 자연, 물리적 및 예술이 본받아야 할 도덕. 자연 모방에 관한 테제는 "고전주의"라는 용어 자체가 유래 한 고대 예술을 모방하는 처방으로 바뀌 었습니다 (라틴어 고전 - 모범적, 수업에서 공부).
따라서 고전 예술의 자연은 정신의 일반화 된 분석 활동에 의해 "장식"된 고급 모델을 모델로 한 것처럼 많이 재현되지 않은 것으로 보입니다. 비유하자면, 나무가 기하학적 모양의 형태로 다듬어지고 대칭적으로 자리 잡은 경로가 있는 소위 "정규"(즉, "정확한") 공원을 상기할 수 있습니다. 올바른 형태, 다양한 색상의 자갈이 흩어져 있으며 물은 대리석 수영장과 분수로 둘러싸여 있습니다. 이 스타일의 조경 원예 예술은 고전주의 시대에 정확히 절정에 이르렀습니다. 고전주의 문학에서 산문에 대한 시의 절대적인 우위는 자연을 "장식된" 것으로 표현하려는 욕망에서 비롯됩니다. 산문이 단순한 물질적 자연과 동일하다면 문학 형식으로서의 시는 확실히 이상적인 "장식된" 자연입니다.
예술에 대한 이러한 모든 아이디어, 즉 합리적이고 질서 정연하고 정상화 된 영적 활동으로서 17-18 세기 사고의 계층 적 원리가 실현되었습니다. 그 자체 내에서 문학은 또한 낮음과 높음의 두 개의 계층적 행으로 나뉘었으며, 각 행은 물질적 또는 이상적 수준의 현실과 주제 및 문체적으로 연관되었습니다. 풍자, 코미디, 우화는 낮은 장르로 분류되었습니다. 높은 송가, 비극, 서사시. 로우 장르에서는 일상의 물질적 현실이 묘사되고 사회적 연결 속에서 사적인 인물이 등장한다(물론 동시에 사람과 현실은 여전히 동일한 이상적인 개념적 범주이다). 고급 장르에서 사람은 존재의 실존적 측면에서 혼자 그리고 존재에 대한 질문의 영원한 기초와 함께 영적, 사회적 존재로 제시됩니다. 따라서 상,하 장르의 경우 주제적 측면뿐만 아니라 캐릭터가 하나 또는 다른 사회적 계층에 속해 있다는 점에 근거한 계급적 분화도 관련이 있는 것으로 판명되었다. 낮은 장르의 영웅은 중산층입니다. 높은 영웅 - 역사적 인물, 신화 적 영웅 또는 가상의 고위 인물 - 일반적으로 통치자.
낮은 장르에서 인간 캐릭터는 일상적인 열정(인색, 위선, 위선, 시기 등)에 의해 형성됩니다. 높은 장르에서 열정은 영적 성격 (사랑, 야망, 복수, 의무감, 애국심 등)을 얻습니다. 그리고 일상의 열정이 명백하게 불합리하고 악의적이라면 실존적 열정은 합리적인-공적 및 비합리적-개인으로 나뉘며 영웅의 윤리적 지위는 그의 선택에 달려 있습니다. 합리적인 열정을 선호한다면 분명히 긍정적이고, 비합리적인 열정을 선택하면 분명히 부정적입니다. 고전주의는 윤리적 평가에서 반음을 허용하지 않았으며 이것은 또한 높고 낮음, 비극과 희극의 혼합을 배제한 이 방법의 합리주의적 특성에 의해 영향을 받았습니다.
고전주의의 장르론에서는 고대 문학에서 가장 크게 번성한 장르를 주요 장르로 합법화하고 문학적 창의성을 높은 수준의 합리적인 모방으로 인식했기 때문에 고전주의의 미학적 코드는 규범적 성격을 획득했습니다. 즉, 각 장르의 모델은 일탈이 용납될 수 없는 명확한 규칙으로 한 번에 확립되었으며, 각 특정 텍스트는 이 이상적인 장르 모델의 준수 정도에 따라 미학적으로 평가되었습니다.
고대 예는 규칙의 원천이되었습니다. Homer와 Virgil의 서사시, Aeschylus, Sophocles, Euripides 및 Seneca의 비극, Aristophanes, Menander, Terence 및 Plautus의 희극, Pindar의 송가, Aesop과 Phaedrus의 우화, Horace와 Juvenal의 풍자. 이러한 장르 규제의 가장 전형적이고 예시적인 경우는 물론 고대 비극의 텍스트와 아리스토텔레스의 시학에서 끌어온 대표적인 고전 장르인 비극에 대한 규칙입니다.
비극의 경우 시적 형식("알렉산드리아 운문" - 한 쌍의 운율이 있는 6피트 약음), 의무적인 5막 구성, 세 가지 통일성 - 시간, 장소 및 행동, 고급 스타일, 역사적 또는 신화적 플롯 및 이성적인 열정과 불합리한 열정 사이에서 선택해야 하는 필연적인 상황을 암시하는 갈등, 그리고 선택의 과정 자체가 비극의 행위를 구성해야 한다는 것이었다. 합리주의, 위계 및 방법의 규범성이 가장 완벽하고 명확하게 표현 된 것은 고전주의 미학의 극적인 부분에서였습니다.
프랑스 고전주의의 미학과 프랑스 고전 문학의 시학에 대해 위에서 말한 모든 것은 프랑스 고전주의가 역사적으로 가장 초기의 방법이자 미학적으로 가장 권위 있는 방법의 화신이었기 때문에 거의 모든 유럽의 방법에 동일하게 적용됩니다. 그러나 러시아 고전주의의 경우 이러한 일반 이론 조항은 18세기 새로운 러시아 문화 형성의 역사적, 국가적 특징으로 인해 예술적 실천에서 일종의 굴절을 발견했습니다.
2.4. 회화의 고전주의
17세기 초에 젊은 외국인들이 고대와 르네상스의 유산을 알기 위해 로마로 몰려들었습니다. 그 중 가장 눈에 띄는 곳은 프랑스인 Nicolas Poussin이 주로 고대 고대와 신화를 주제로 한 그림에서 기하학적으로 정확한 구성과 색상 그룹의 사려 깊은 상관 관계에 대한 탁월한 예를 제시한 것입니다. 또 다른 프랑스인 클로드 로랭(Claude Lorrain)은 "영원한 도시" 주변의 고대 풍경에서 자연의 그림을 석양의 빛과 조화시키고 독특한 건축 장면을 도입함으로써 간소화했습니다.
푸생의 냉정하고 합리적인 규범주의는 베르사유 궁정의 승인을 불러 일으켰고 고전 회화에서 "태양 왕"의 절대주의 국가를 찬양하기 위한 이상적인 예술 언어를 본 르브룬과 같은 궁정 화가들에 의해 계속되었습니다. 개인 고객은 바로크와 로코코의 변형을 선호했지만 프랑스 군주제는 School of Fine Arts와 같은 학술 기관에 자금을 지원하여 고전주의를 유지했습니다. 로마상은 가장 재능 있는 학생들에게 고대의 위대한 작품을 직접 알기 위해 로마를 방문할 수 있는 기회를 제공했습니다.
폼페이 발굴 중 '진정한' 고대 회화의 발견, 독일 미술사학자 빙켈만의 고대신화, 그와 가까웠던 멩스가 설파한 라파엘 숭배는 새로운 숨을 불어넣었다. 18세기 후반에 고전주의로 들어선다(서양 문학에서는 이 단계를 신고전주의라고 부른다). "새로운 고전주의"의 가장 큰 대표자는 Jacques-Louis David였습니다. 그의 극도로 간결하고 극적인 예술 언어는 프랑스 혁명("마라의 죽음")과 제1제국("나폴레옹 1세의 봉헌")의 이상을 홍보하는 데 동등한 성공을 거두었습니다.
19세기 고전주의 회화는 위기의 시기에 접어들며 프랑스뿐만 아니라 다른 나라에서도 미술의 발전을 가로막는 힘이 된다. David의 예술적 라인은 Ingres에 의해 성공적으로 계속되었으며 그의 작품에서 고전주의의 언어를 유지하면서 종종 동양적인 풍미가 있는 낭만적인 주제("터키식 목욕탕")로 전환했습니다. 그의 초상화 작업은 모델의 미묘한 이상화로 표시됩니다. 다른 국가의 예술가(예: Karl Bryullov)도 고전적인 형태의 작품에 낭만주의 정신을 불어넣었습니다. 이 조합을 아카데미즘이라고 합니다. 수많은 예술 아카데미가 번식지로 사용되었습니다. 19세기 중반, 프랑스에서는 쿠르베 서클로, 러시아에서는 방랑자들로 대표되는 사실주의에 끌리는 젊은 세대가 학계의 보수주의에 반발했다.
2.5. 조각의 고전주의
18세기 중반 고전 조각 발전의 원동력은 Winckelmann과 고고학 발굴고대 조각에 대한 동시대인의 지식을 확장한 고대 도시. 바로크와 고전주의의 경계에서 피갈과 후동과 같은 조각가들이 프랑스에서 요동쳤다. 고전주의는 주로 헬레니즘 시대의 조각상(Praxiteles)에서 영감을 얻은 Antonio Canova의 영웅적이고 목가적인 작품에서 조형 예술 분야에서 가장 높은 구현에 도달했습니다. 러시아에서는 Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos가 고전주의의 미학에 끌렸습니다.
고전주의 시대에 널리 퍼진 공공 기념물은 조각가에게 정치가의 군사적 용맹과 지혜를 이상화 할 수있는 기회를주었습니다. 고대 모델에 대한 충성심 때문에 조각가들은 모델을 알몸으로 묘사해야 했으며, 이는 수용된 도덕 표준과 상충되었습니다. 이 모순을 해결하기 위해 모더니티의 인물은 처음에 벌거 벗은 고대 신의 형태로 고전주의 조각가에 의해 묘사되었습니다. Suvorov - 화성 형태, Polina Borghese - 금성 형태. 나폴레옹 치하에서 골동품 토가(카잔 대성당 앞 쿠투조프와 바클레이 드 톨리 등)의 현대 인물 이미지로 이동하여 문제가 해결되었습니다.
고전주의 시대의 개인 고객은 묘비에 자신의 이름을 영속시키는 것을 선호했습니다. 이 조각 형태의 인기는 유럽의 주요 도시에 공공 묘지를 배치함으로써 촉진되었습니다. 고전적인 이상에 따라 묘비의 인물은 원칙적으로 깊은 휴식 상태에 있습니다. 고전주의의 조각은 일반적으로 날카로운 움직임, 분노와 같은 감정의 외부 표현에 이질적입니다.
늦게, 주로 다작 덴마크 조각가 Thorvaldsen으로 대표되는 제국 고전주의는 다소 건조한 파토스로 가득 차 있습니다. 선의 순수함, 몸짓의 절제, 표현의 무감각이 특히 높이 평가된다. 역할 모델을 선택할 때 강조점은 헬레니즘에서 고대 시대로 이동합니다. Thorvaldsen의 해석에서 보는 사람에게 다소 오싹한 인상을 주는 종교적 이미지가 유행하고 있습니다. 후기 고전주의의 무덤 조각은 종종 약간의 감상적인 느낌을 줍니다.
2.6. 건축의 고전주의
고전주의 건축의 주요 특징은 조화, 단순성, 엄격함, 논리적 명확성 및 기념비의 표준으로서 고대 건축 양식에 대한 호소력이었습니다. 전체적으로 고전주의의 건축은 계획의 규칙성과 체적 형태의 명확성이 특징입니다. 고대에 가까운 비율과 형태의 질서는 고전주의 건축 언어의 기초가 되었습니다. 고전주의는 대칭 축 구성, 장식 장식의 억제 및 도시 계획의 규칙적인 시스템이 특징입니다.
고전주의의 건축 언어는 르네상스 말기에 위대한 베네치아의 거장 Palladio와 그의 추종자 Scamozzi에 의해 공식화되었습니다. 베네치아인들은 고대 사원 건축의 원리를 절대화하여 빌라 카프라(Villa Capra)와 같은 개인 저택 건설에도 적용했습니다. 이니고 존스(Inigo Jones)는 18세기 중반까지 지역 팔라디오 건축가들이 다양한 정도의 충실도로 팔라디오의 교훈을 따랐던 영국 북부에 팔라디아주의를 도입했습니다.
그때까지 후기 바로크와 로코코의 "휘핑 크림"이 유럽 대륙의 지식인들 사이에 축적되기 시작했습니다. 로마 건축가 베르니니(Bernini)와 보로미니(Borromini)에 의해 태어난 바로크 양식은 실내 장식과 예술 및 공예품에 중점을 둔 주로 실내 양식인 로코코로 가늘어졌습니다. 주요 도시 문제를 해결하기 위해 이 미학은 거의 쓸모가 없었습니다. 이미 루이 15세(1715-74) 치하에서 콩코드 광장(건축가 자크 앙주 가브리엘)과 생 쉴피스 교회와 같은 "고대 로마" 스타일의 도시 계획 앙상블이 파리에 건설되고 있었습니다. (1774-92) 비슷한 "고귀한 간결함"이 이미 주요 건축 경향이되고 있습니다.
고전주의 스타일에서 가장 중요한 인테리어는 1758년 로마에서 고국으로 돌아온 스코틀랜드인 로버트 아담(Robert Adam)이 디자인했습니다. 그는 이탈리아 과학자들의 고고학 연구와 Piranesi의 건축적 환상에 깊은 인상을 받았습니다. 아담의 해석에서 고전주의는 로코코에 못지않게 세련된 인테리어의 스타일로 민주주의 사회는 물론 귀족들 사이에서도 인기를 얻었다. 그의 프랑스 동료들처럼 Adam은 건설적인 기능이 없는 세부 사항에 대한 완전한 거부를 설교했습니다.
프랑스인 Jacques-Germain Soufflot은 파리에 Saint-Genevieve 교회를 건설하는 동안 광대한 도시 공간을 조직하는 고전주의의 능력을 보여주었습니다. 그의 디자인의 거대한 웅장함은 나폴레옹 제국의 과대망상과 후기 고전주의를 예고했습니다. 러시아에서는 Bazhenov가 Soufflet와 같은 방향으로 움직이고있었습니다. 프랑스인 Claude-Nicolas Ledoux와 Etienne-Louis Boulet는 형태의 추상적인 기하학에 중점을 둔 급진적인 공상적 스타일의 발전을 향해 나아가고 있습니다. 혁명적 프랑스에서 그들의 프로젝트의 금욕적인 시민적 파토스는 거의 소용이 없었습니다. Ledoux의 혁신은 20세기의 모더니스트들에 의해서만 완전히 인정되었습니다.
나폴레옹 프랑스의 건축가들은 셉티미우스 세베루스의 개선문과 트라야누스 기둥과 같은 제국 로마가 남긴 군사적 영광의 장엄한 이미지에서 영감을 얻었습니다. 나폴레옹의 명령에 따라 이 이미지들은 Carruzel의 개선문과 Vendôme 기둥의 형태로 파리로 옮겨졌습니다. 나폴레옹 전쟁 시대의 군사적 위대함의 기념물과 관련하여 "제국 스타일"-제국 스타일이라는 용어가 사용됩니다. 러시아에서는 Karl Rossi, Andrey Voronikhin 및 Andrey Zakharov가 제국 스타일의 뛰어난 대가임을 보여주었습니다. 영국에서 제국은 소위에 해당합니다. "리젠시 스타일"(가장 큰 대표자는 John Nash입니다).
고전주의의 미학은 대규모 도시 개발 프로젝트를 선호했고 전체 도시 규모의 도시 개발을 질서있게 이끌었습니다. 러시아에서는 거의 모든 지방 및 많은 카운티 타운이 고전적인 합리주의의 원칙에 따라 재계획되었습니다. 상트페테르부르크, 헬싱키, 바르샤바, 더블린, 에딘버러 및 기타 여러 도시가 진정한 고전주의 야외 박물관으로 변모했습니다. 미누신스크에서 필라델피아에 이르기까지 팔라디오로 거슬러 올라가는 단일 건축 언어가 지배적이었습니다. 일반 건물은 표준 프로젝트의 앨범에 따라 수행되었습니다.
나폴레옹 전쟁 이후의 기간에 고전주의는 낭만적으로 채색된 절충주의, 특히 중세에 대한 관심과 건축 네오 고딕 양식에 대한 패션의 복귀와 함께 해야 했습니다. Champollion의 발견과 관련하여 이집트 모티브가 인기를 얻고 있습니다. 고대 로마 건축에 대한 관심은 특히 독일과 미국에서 두드러진 고대 그리스("신-그리스")의 모든 것에 대한 존경으로 대체되었습니다. 독일 건축가 레오 폰 클렌체(Leo von Klenze)와 칼 프리드리히 쉰켈(Karl Friedrich Schinkel)이 각각 뮌헨과 베를린을 파르테논 신전 정신으로 웅장한 박물관과 기타 공공 건물로 건설하고 있습니다. 프랑스에서는 고전주의의 순도가 르네상스와 바로크의 건축 레퍼토리에서 무료로 차용되어 희석됩니다(Beaus-Arts 참조).
2.7. 문학의 고전주의
프랑스어와 시를 개혁하고 시적 정경을 발전시킨 프랑스 시인 프랑수아 말헤르브(1555-1628)는 고전주의 시학의 창시자로 여겨진다. 극작에서 고전주의를 대표하는 대표적인 인물은 비극 작가 코르네유와 라신(1639-1699)으로, 그의 창의성의 주요 주제는 공적 의무와 개인적 열정 사이의 갈등이었다. "낮은"장르 또한 우화(J. La Fontaine), 풍자(Boileau), 코미디(Molière 1622-1673)와 같은 높은 발전에 도달했습니다.
보일로는 최대의 고전주의 이론가인 "파르나서스의 입법가"로 유럽 전역에서 유명해졌으며, 그는 시적 논문 "시적 예술"에서 자신의 견해를 표현했습니다. 영국에서 그의 영향을 받은 시인 존 드라이든(John Dryden)과 알렉산더 포프(Alexander Pope)는 알렉산드린을 영국시의 주요 형식으로 만들었습니다. 고전주의 시대의 영어 산문(애디슨, 스위프트) 역시 라틴화된 통사론이 특징이다.
18세기의 고전주의는 계몽주의 사상의 영향으로 발전했습니다. Voltaire(1694-1778)의 작품은 종교적 광신, 절대주의적 억압, 자유의 파토스에 반대합니다. 창의성의 목적은 세상을 바꾸는 것이다. 더 나은 쪽, 사회 자체의 고전주의 법칙에 따른 건설. 고전주의의 입장에서 영국인 Samuel Johnson은 수필가 Boswell, 역사가 Gibbon 및 배우 Garrick을 포함하여 같은 생각을 가진 사람들의 훌륭한 원이 형성된 현대 문학을 조사했습니다. 세 가지 통일성은 극 작품의 특징이다. 시간의 통일성(행동은 하루에 일어난다), 장소의 통일성(한 장소에서), 행동의 통일성(하나의 줄거리)이다.
러시아에서 고전주의는 Peter I. Lomonosov가 러시아 운문을 개혁한 후 18세기에 시작되었으며 본질적으로 러시아어에 대한 프랑스 고전 규칙의 적응인 "3개의 고요" 이론을 개발했습니다. 고전주의의 이미지는 시간이 지나도 변하지 않는 안정적인 일반적인 특징을 포착하기 위해 주로 의도되어 사회적 또는 영적 힘의 구현으로 작용하기 때문에 개별 특징이 없습니다.
러시아의 고전주의는 계몽주의의 큰 영향으로 발전했습니다. 평등과 정의에 대한 아이디어는 항상 러시아 고전 작가들의 관심의 초점이었습니다. 따라서 러시아 고전주의에서는 코미디(D. I. Fonvizin), 풍자(A. D. Kantemir), 우화(A. P. Sumarokov, I. I. Khemnitser), ode(Lomonosov, G. R. Derzhavin)와 같은 역사적 현실에 대한 필수 저자 평가를 암시하는 장르가 크게 발전했습니다.
루소가 자연과 자연에 대한 친밀함을 선언한 것과 관련하여 18세기 후반 고전주의에서 위기 현상이 커지고 있다. 부드러운 감정의 숭배, 즉 감상주의가 이성의 절대화를 대체하게 되었습니다. 고전주의에서 낭만주의 이전으로의 전환은 J. W. 괴테(1749-1832)와 F. 쉴러(1759-1805)의 이름으로 대표되는 Sturm und Drang 시대의 독일 문학에 가장 분명하게 반영되어 있습니다. 예술에서 교육의 주역을 보았다.
2.8. 음악의 고전주의
음악에서 고전주의의 개념은 하이든, 모차르트, 베토벤의 작품과 꾸준히 연관되어 있습니다. 비엔나 고전음악 작곡의 추가 발전 방향을 결정했습니다.
"고전주의의 음악"의 개념은 시간의 시험을 견뎌낸 과거의 음악으로서 보다 일반적인 의미를 갖는 "고전 음악"의 개념과 혼동되어서는 안 된다.
고전주의 시대의 음악은 사람의 행동과 행동, 그가 경험한 감정과 감정, 세심하고 전체론적인 인간의 마음을 노래합니다.
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고전주의의 연극 예술은 엄숙하고 정적 인 공연 구조, 측정 된시 읽기가 특징입니다. 18세기는 흔히 연극의 "황금기"라고 불린다. 유럽 고전 코미디의 창시자는 프랑스 코미디언, 배우, 연극계 인물인 무대 예술 개혁가인 몰리에르(나스트, 이름 Jean-Baptiste Poquelin)(1622-1673)입니다. 몰리에르는 오랫동안 극단과 함께 지방을 여행하며 무대 기술과 대중의 취향을 알게 되었습니다. 1658년 그는 왕으로부터 파리의 궁정 극장에서 그의 극단과 함께 연주할 수 있는 허가를 받았습니다. 민속극의 전통과 고전주의의 업적을 바탕으로 풍자와 서민적 유머가 우아함과 예술성을 결합한 사교 코미디 장르를 창조했다. 이탈리아 코미디 델 아르테(이탈리아 코메디아 델 아르테 - 가면의 코미디, 주요 가면은 할리퀸, 풀치넬라, 오래된 상인 판탈로네 등)의 도식주의를 극복하고 몰리에르는 실물과 같은 이미지를 창조했다. 그는 계급적 편견을 조롱했다. 귀족, 부르주아의 한계, 귀족의 위선( "귀족의 상인", 1670). 몰리에르는 "Tartuffe, or the기만자"(1664), "Don Juan"(1665), "The Misanthrope"(1666)와 같이 특히 비타협적인 태도로 위선을 드러냈고 경건과 과시적 미덕 뒤에 숨어 있었습니다. 몰리에르의 예술적 유산은 세계 드라마와 연극의 발전에 지대한 영향을 미쳤습니다. 프랑스의 위대한 극작가 피에르 오귀스탱 보마르셰(1732-1799)의 세비야의 이발사(1775)와 피가로의 결혼(1784)은 코미디 매너의 가장 성숙한 구현으로 인정받고 있다. 그들은 제3신분과 귀족 사이의 갈등을 묘사합니다. V.A.의 오페라 모차르트(1786)와 G. 로시니(1816). |
2.10. 러시아 고전주의의 독창성
러시아 고전주의는 유사한 역사적 조건에서 발생했습니다. 그 전제 조건은 Peter I 시대 이후 러시아의 독재 국가와 국가 자결의 강화였습니다. Peter the Great의 개혁에 대한 유럽주의는 러시아 문화가 유럽 문화의 성취를 마스터하는 것을 목표로했습니다. . 그러나 동시에 러시아 고전주의는 프랑스보다 거의 한 세기 늦게 나타났습니다. 18세기 중반 러시아 고전주의가 막 힘을 얻기 시작했을 때 프랑스에서는 존재의 두 번째 단계에 도달했습니다. 계몽주의의 혁명 이전 이데올로기와 고전적인 창조적 원칙의 결합인 소위 "계몽주의 고전주의"는 볼테르의 작품에서 프랑스 문학에서 번성했으며 반성직적, 사회적으로 비판적인 파토스를 획득했습니다. 프랑스 혁명, 절대주의에 대한 사죄의 시대는 이미 먼 역사였습니다. 러시아 고전주의는 세속 문화 개혁과의 강력한 연결 덕분에 첫째, 독자를 교육하고 군주를 공익의 길로 인도하기 위해 노력하면서 교육 과제를 처음으로 설정했으며 둘째로 주요 추세의 지위를 획득했습니다. 1720년대 후반~1730년대에 표트르 1세가 더 이상 생존하지 않고 그의 문화 개혁의 운명이 위태로웠던 시기에 대한 러시아 문학.
따라서 러시아 고전주의는 "봄의 열매 - 송가가 아니라 가을의 열매 - 풍자"로 시작되며 처음부터 사회적으로 비판적인 파토스가 내재되어 있습니다.
러시아 고전주의는 또한 서유럽 고전주의와 완전히 다른 유형의 갈등을 반영했습니다. 프랑스 고전주의에서 사회 정치적 원칙이 합리적이고 비합리적인 열정의 심리적 갈등이 발생하고 그들의 지시 사이에서 자유롭고 의식적인 선택의 과정이 수행되는 토대에 불과하다면 러시아에서는 전통적으로 반민주적 카톨릭 개인에 대한 사회의 절대 권력, 상황은 완전히 달랐습니다. 개인주의의 이데올로기를 이제 막 이해하기 시작한 러시아인의 사고방식, 사회 앞에서 개인을 겸손하게 할 필요성, 권위 앞에서 개인이 서구 세계관처럼 비극적인 것은 전혀 아니었다. 러시아 조건에서 한 가지를 선호하는 기회로 유럽 의식과 관련된 선택은 상상의 것으로 판명되었으며 그 결과는 사회에 유리하게 미리 결정되었습니다. 따라서 러시아 고전주의에서 선택의 상황은 갈등을 형성하는 기능을 상실하고 다른 것으로 대체되었습니다.
XVIII 세기 러시아 생활의 중심 문제. 권력과 그 승계의 문제가 있었습니다. 표트르 1세가 사망한 후와 1796년 바오로 1세가 즉위하기 전까지는 단 한 명의 러시아 황제도 합법적으로 집권하지 못했습니다. 18 세기 -이것은 음모와 궁전 쿠데타의 시대로 계몽 된 군주의 이상뿐만 아니라 군주의 역할에 대한 아이디어에도 결코 부합하지 않는 사람들의 절대적이고 통제되지 않는 권력으로 이어졌습니다. 상태. 따라서 러시아 고전 문학은 즉시 정치적이고 교훈적인 방향을 잡았고이 문제를 시대의 주요 비극적 인 딜레마로 정확하게 반영했습니다. 즉, 독재자의 의무와 통치자의 불일치, 이기적인 개인 열정으로 권력을 경험하는 갈등 주체의 이익을 위해 행사되는 권력의 개념.
그리하여 이성적 열정과 불합리한 열정 사이에서 선택하는 상황을 외적 플롯 패턴으로 보존한 러시아 고전주의 갈등은 본질적으로 사회정치적 갈등으로 완전히 실현되었다. 러시아 고전주의의 긍정적인 영웅은 공동선의 이름으로 개인의 열정을 낮추지 않고 독재적 침해로부터 개인주의를 방어하면서 자연권을 주장합니다. 그리고 가장 중요한 것은이 방법의이 국가적 특수성이 작가 자신에 의해 잘 이해되었다는 것입니다. 프랑스 고전주의 비극의 줄거리가 주로 고대 신화와 역사에서 그려졌다면 Sumarokov는 러시아 연대기의 음모에 비극을 썼습니다. 그리 멀지 않은 러시아 역사의 음모에서도.
마지막으로, 러시아 고전주의의 또 다른 특징은 다른 유럽 국가의 다양한 방법과 같이 풍부하고 지속적인 국가 문학 전통에 의존하지 않는다는 것입니다. 고전주의 이론의 출현 당시 유럽 문학이 가지고 있던 것, 즉 질서 있는 문체 체계를 가진 문학 언어, 시화 원칙, 문학 장르의 잘 정의된 체계 - 이 모든 것이 러시아어로 작성되어야 했습니다. . 따라서 러시아 고전주의에서는 문학 이론이 문학적 실천보다 앞서 있었다. 1730년대 중반에서 1740년대 말 사이에 러시아 고전주의의 규범적 행위인 시화의 개혁, 양식의 개혁, 장르 체계의 규제가 이루어졌다. - 즉, 기본적으로 고전 미학에 따라 러시아에서 본격적인 문학적 과정이 전개되기 전에.
3. 결론
고전주의의 이데올로기적 전제를 위해, 자유에 대한 개인의 욕망이 이 자유를 법과 결부시키려는 사회의 필요만큼 정당하다고 여기에서 가정하는 것이 필수적입니다.
개인 원칙은 르네상스가 처음 부여한 직접적인 사회적 중요성, 독립적 가치를 계속 유지하고 있습니다. 그러나 그와 대조적으로 이제 이 시작은 개인에게 속하며, 이제 사회가 사회조직으로서 받는 역할도 함께 한다. 그리고 이것은 사회에도 불구하고 개인이 자신의 자유를 방어하려는 모든 시도는 삶의 유대의 충만함을 상실하고 자유가 아무런 지원도 받지 못하는 황폐한 주관성으로의 변형을 위협한다는 것을 의미합니다.
측정 범주는 고전주의 시학의 기본 범주입니다. 내용면에서 비정상적으로 다면적이며 영적 및 조형적 성격을 모두 가지고 있으며 접촉하지만 고전주의의 또 다른 전형적인 개념인 규범의 개념과 일치하지 않으며 여기에서 확인된 이상의 모든 측면과 밀접하게 연결되어 있습니다.
자연과 사람들의 삶의 균형의 원천이자 보증인으로서의 고전적 정신은 존재하는 모든 것의 원래 조화에 대한 시적 믿음, 사물의 자연적 흐름에 대한 확신, 모든 것을 포괄하는 일치의 존재에 대한 확신을 지니고 있습니다. 이 연결의 인본주의적이고 인간 지향적인 성격에서 세계의 움직임과 사회의 형성 사이.
나는 고전주의, 그 원리, 시, 예술, 창의성 일반의 시대에 가깝습니다. 고전주의가 사람, 사회, 세계에 대해 내리는 결론은 나에게 유일하고 참되고 합리적인 것처럼 보입니다. 혼돈이 아닌 사물, 시스템의 질서를 정반대 사이의 중간선으로 측정하십시오. 그들의 분열과 적대감, 과도한 천재성과 이기심에 대한 사회와의 강한 관계; 극단에 대한 조화 - 이것에서 나는 존재의 이상적인 원칙을 봅니다. 그 기초는 고전주의의 규범에 반영됩니다.
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